«Pinto… como un pájaro canta.»

Claude Monet

Planteamiento Inicial

Se nos plantea una búsqueda de referentes artísticos, utilizando todo tipo de fuentes disponibles, desde la propia naturaleza hasta fuentes digitales como redes sociales.

Con ayuda de estos referentes, realizaremos un estudio de color y de cómo nos vemos representados en ellos, con el fin de realizar nuestro propio inventario de color.

Materiales elegidos

-Material de estudio “Procedimientos, técnicas pictóricas y usos del color. Evolución y desarrollo”¹.

-Programa GIMP²

-Diario del artista: Cuaderno DINA4 (160g/m2) para técnicas mixtas Van Gogh.

-Lápices de colores para bocetar

-Papel DINA3 de alto gramaje (300g/m2) para técnicas mixtas Van Gogh.

-Paleta plástica para hacer las mezclas.

-Colores Gouache Talens.

-Pinceles N.º 2 de punta redonda y 4 y 8 de punta cuadrada Van Gogh.

-Trapo de algodón.

-Cuenco para agua.

-Espátula para mezclas

– Film de plástico para la conservación de las mezclas

– Pastilla Jabón para la higiene del material

Parte 1: Búsqueda y análisis de Referentes pictóricos. Estudio del color.

Para comprender como ha evolucionado la pintura, y de su mano, el color, a lo largo de los siglos, debemos conocer la evolución en general de la humanidad y de sus recursos. Esto nos lleva a enmarcar las obras en periodos complejos que responden a ideologías y realidades¹.

En este apartado vamos a hablar de tres obras que me han llamado la atención y que pertenecen a tres estilos muy distintos. Haciendo hincapié de esa manera, en las características sociales en dichos periodos y como influenciaron a los artistas y a su uso del color.

Bell rock lighthouse, Turner.

Autor: William Turner (1775 -1851)

Título: Bell rock lighthouse

Año: 1819

Medio: acuarela y gouache con rayado

Dimensiones:  H 306, W 455 mm

Localización actual: Scottish National Gallery

Vía: dominio público. Wikimedia commons

Turner es considerado uno de los mejores paisajistas de la historia³. Vivió en una época en la que se va configurando una nueva sensibilidad para los artistas, que querían defender su independencia y salir de los temas clásicos a los que se le había prestado atención anteriormente como eran la iglesia y los retratos a la burguesía.

Es por esto por lo que se dice, que el artista romántico, confía en el genio creador que nace de sus impulsos irracionales¹. Ante esta tesitura, el género del paisaje surge como una nueva forma de acercarse a la naturaleza.

En esta obra podemos apreciar una paleta reducida en la que predomina la analogía cromática de los tonos azules, añadiendo grises cromáticos, beiges y blancos agrisados.

La temperatura de la obra es fría, como corresponde a una tormenta marina, aunque juega con la luz utilizando la interacción entre complementarios azul-amarillo. Turner, estuvo muy interesado en las teorías cromáticas de la época, como las teorías de las polaridades de Goethe, que aplicó en sus interacciones entre la luz y el color. En la parte alta del cuadro se atisba un poco de calidez, al añadir un poco de amarillo, relacionado con la iluminación provocada por los rayos. Del mismo modo, el faro y el barco parece reflejar un color ligeramente más cálido que el resto de la obra, como queriendo resaltar el hombre frente a la naturaleza.

Solen, Munch.

Título: Solen

Año: 1911

Medio: oleo sobre lienzo

Dimensiones:  H 455, W 780 mm

Localización actual: University of Oslo Faculty of Law

Vía: dominio público. Wikimedia commons

Münch es el máximo representante de la pintura Expresionista¹. Disfrutaba de pintar temáticas sórdidas y intentar con ello diseccionar el alma de sus representados. No en vano de sus obras más famosas esta “El grito” y “Ansiedad”. Su estilo esta muy influenciado por van Gogh, siendo algo reconocido por el propio artista⁴.

Este óleo, en contraposición con su trayectoria habitual, nos muestra al Münch más optimista, pintando un magnifico amanecer sobre los fiordos noruegos para el aula Magna de la universidad de Oslo⁵.

Podemos apreciar que la paleta no es reducida, ya que en la obra se aprecian muchos matices. Principalmente, apreciamos la armonía cromática en el uso de la analogía en los tonos amarillos, naranjas y azules. Solo oscurecidos por el color gris de la piedra. Pero incluso a esos tonos, los hace parecer vibrantes. Aquí nos habría que apuntar obre la analogía azul-amarillo nuevamente.

La temperatura de la obra es cálida en la parte superior y deja penetrar la calidez en la parte inferior, a pesar de que esta es más fría, como buscando hacernos notar el calor del sol.

Mujer ante el espejo, Picasso.

Título: Mujer ante el espejo

Año: 1935

Medio: oleo sobre lienzo

Dimensiones:  H 162.3, W 130.2 cm

Localización actual: Museo de Arte Moderno de Nueva York (Estados Unidos)

Vía: dominio público. Wikimedia commons

Picasso creó, junto con Braque, la corriente objetiva que se desarrolla en el Cubismo. Un movimiento muy influenciado por las revoluciones científicas y tecnológicas de la época¹.

En esta obra, Picasso retrató a su amante frente a un espejo⁶. Podemos ver que en el reflejo no se muestra la realidad. La mujer es joven y bella, mientras que la imagen reflejada, parece anciana y ajada. Como queriendo hacernos ver la constancia del paso del tiempo y que nunca volverá a ser igual que hoy.

El artista mezcla colores sin restricciones, encontrándonos una paleta con multitud de matices distintos. Amarillo, rojo, verde, naranja, azul… y sin que se aprecie analogía cromática ni interacción entre complementarios.

La obra tiene una impresión de obra cálida, utilizando la mayoría de los tonos a ese lado del círculo cromático. Dicha zona cálida quiere dar una imagen alegre de la juventud, frente a la imagen del espejo, en la que ha metido una paleta más fría, para hacernos apreciar la tristeza de la vejez.

Parte 2: Inventario de Color y construcción de nuestra paleta.

He elegido para este ejercicio, una obra que representa el impresionismo. En dicha época, los pintores empiezan a alejarse de los dictámenes de la academia, obligando al artista a salir del estudio y pintar al natural¹.

Claude Monet (1840 -1926) realizó más de 250 oleos sobre tela, sobre los nenúfares que cultivó en su residencia en Giverny.

Monet ya estaba consagrado como pintor cuando realizó estas obras, pero siempre siguió explorando nuevas posibilidades pictóricas, y en estas últimas obras las formas están prácticamente disueltas en manchas de color⁷.

Autor: Claude Monet (1840 -1926)

Título: Les Nymphéas

Año: 1919

Medio: óleo sobre lienzo

Dimensiones: H. 150 cm; L. 197 cm

Localización actual: Musée Marmottan Monet. Francia

Vía: dominio público. Wikimedia commons

La obra transmite, a mi parecer, paz y relajación, quizás por el predominio de colores fríos en su paleta, como el azul y el verde, en su analogía cromática. El artista juega también con los colores complementarios, haciendo destacar las pinceladas de tonos lilas en contra posición con los azules y de amarillo en contraposición con los verdes. En cualquier caso, esta obra y sus hermanas fueron pintada por Monet a su patria como un «monumento a la paz» con motivo de conmemorar el fin de la primera guerra mundial.

En esta práctica se nos pide resumir los colores de la obra a una paleta de ocho colores principales. Para ello me he servido del p programa GIMP y los tutoriales “Creación de una paleta de color”^8,9

Esta sería mi paleta resultante:

Como podemos ver en la paleta encontramos tonos ligeramente oscurecidos de primarios y secundarios, abundando los matices fríos. He considerado poner 3 tonos de azul y 2 de verde, ya que ellos son los predominantes de la obra. Y no he excluido el amarillo y los tonos violáceos por ser los que aportan el contraste.

El siguiente paso ha sido hacer la representación de estos colores en la obra por porcentajes. Ha sido difícil y me he dejado orientar por mi percepción.

1. Amarillo: 3%
2. Violeta oscuro: 5%
3. Lila: 6%
4. Azul oscuro: 10%
5. Verde Oscuro: 11%
6. Verde claro: 15%
7. Azul Claro: 25%
8. Azul medio: 35%

Para concluir, tomé los valores de los colores de la paleta en RGB (Red, Green, Blue), es decir, en colores luz. Se trata de una mezcla aditiva, esto quiere decir que la mezcla de los colores tiende a blanco.

Como podemos ver, los valores RGB de todos los colores son bajos, esto quiere decir que tienen poca luz, por lo tanto, están oscurecidos.

Amarillo: Creo que el amarillo es el representando en menor medida (3%). El color esta representado casi a iguales dosis de Verde con Rojo, es lógico ya que en el circulo cromático el amarillo aparece como secundario a la mezcla de estos dos. La poca cantidad de azul que tiene le da un tinte verdoso.

Violeta oscuro: El violeta oscuro aparece como sombra para los nenúfares (5%) principales que son lilas. En la escala RGB, este color es principalmente rojo y a partes prácticamente iguales de verde y azul, oscureciendo el resultado.

Lila: Los nenúfares en tono lila/rosado (6%), hacen de color complementario con el tono verde sobre el que se muestra. El color tiene iguales porcentajes de rojo y azul, ya que el secundario de ellos es el magenta, también tiene bastante cantidad de verde, que ayuda a quitarle intensidad.

Azul Oscuro: Este tono esta representado en el agua mas cercana al espectador, bajo los árboles, donde da menos el sol (10%).  Es el único tono de mi paleta que tiene ausencia de uno de los colores primarios, en este caso de rojo. La mezcla de azul y verde da como resultado el cian, en este caso oscurecido por el bajo porcentaje de color, y tendente un poco más hacia el azul.

Verde Oscuro: lo encontramos en las hojas del sauce y haciendo sombra en algunos nenúfares (11%). Al ser verde, este será su tono principal en la mezcla, en segundo lugar, de azul, para darle un matiz más intenso y por último con un ligero tinte rojo que hace que pierda luminosidad.

Verde Claro: Ya entramos con uno de los colores que más se aprecian en la obra, estando en la mayoría de las hojas de nenúfares (15%). Al igual que el tono de verde anterior, su matiz principal es el verde, aunque en este caso en mayor medida. El azul aquí también está más presente, al igual que el rojo. Las proporciones de los matices azul y rojo en ambos verdes son prácticamente iguales, lo que hace que el verde no tienda especialmente a ningún otro tono.

Azul Claro: Se representa en la parte más alejada de la vista del espectador en el agua (25%). Esta formado por una mezcla casi igual de azul y verde, ya que como hemos dicho anteriormente, el secundario de ambos es el cian. En este caso, con respecto al otro tono de azul que hemos visto, los matices están más presentes, siendo un color más luminoso. También tenemos presente una buena cantidad de rojo que oscurece el matiz.

Azul Medio: Toda la parte central del agua esta representada en este color (35%), por lo tanto, creo que es el que más se aprecia en la obra. Es un tono bastante parecido al azul que hemos comentado antes. En este caso, los porcentajes de los tres matices son más bajos, para restarle luminosidad, pero mantienen aproximadamente las proporciones.

En cuanto a el proceso, como me paso en la PEC anterior, el tutorial me ha parecido muy útil y gracias a él no he encontrado grandes dificultades.

Parte 3: Variación Cromática.

Idea Inicial

A partir de la paleta de color conseguida en el apartado anterior, vamos a realizar una obra libre, con los materiales y métodos que queramos. Una vez realizada, la repetiremos variando la paleta de color justificando algún criterio para ello.

Referentes

Como hemos visto anteriormente, mi paleta está basada en una obra impresionista. Monet dedicó gran parte de su carrera a la pintura al aire libre en su residencia de Giverny, y dijo en alguna ocasión «pinto… como un pájaro canta.» Las aves estaban presentes en las obras impresionistas como alegato a la vida y a la propia naturaleza que tanto amaban.

Autor: Claude Monet (1840 -1926)

Título: La urraca

Año: 1868 – 1869

Medio: óleo sobre lienzo

Dimensiones: H. 890 mm; L. 1300 mm

Localización actual: Musée d´Orsay

Vía: dominio público. Wikimedia commons

La pintura de pájaros y flores ha sido un tema pictórico prácticamente unido a lo largo del tiempo. Tanto es así, que existe un género en la pintura china al que se le asigna este nombre. Podemos encontrar obras de este tipo en distintos soportes, como son pergaminos, abanicos, hojas de álbum y papel de escribir. Los artistas más representativos son Huang Quan 㥳 㥳 (c. 900 – 965) y Xu Xi 徐 熙 (937–975). Este género posteriormente se haría popular también en Japón.

Cuando nos disponemos a hacer una representación de este cariz, es importante el equilibrio de la composición, es decir, el peso de los pájaros como color debe quedar compensado y complementado con el volumen de las flores y nos resulta más interesante un centro de interés descentrado.

Esbozos

Para llevar a cabo este proyecto, he comenzado buscando inspiración en imágenes libres sobre pájaros y flores por internet y buscando obras famosas en las que las aves estuvieran presentes.

En mi diario de artista realicé los primeros esbozos a lápiz, hasta llegar a una composición que me gustara y me pareciera proporcionada a los colores de la paleta que debía utilizar. El primer boceto lo entinté para que me fuera más sencillo realizar calcos para las siguientes pruebas a realizar.

Finalmente, esos dos bocetos los coloreé para hacerme una idea orientativa. Para ello creé dos paletas con lápices de colores. La primera con los colores que forman la gama elegida, para la segunda la elección fue más complicada, ya que debíamos elegir una variación cromática.

Estudiando atentamente mi primer boceto coloreado y mirando la gama de color en nuestro circulo cromático, me di cuenta, que todos los colores a excepción los rosas, completaban la mitad izquierda del círculo, tomando la obra una temperatura fría, con mucho predominio del azul y del verde. Así que pensé que podría ser una buena idea cambiar la temperatura a cálida pasando esos colores a tonos rojizos y naranjas. Del mismo modo, los colores que realizan las «pinceladas de color» que serían los rosas y el amarillo, los cambié por sus colores complementarios para que, de esa manera, siguieran aportando contraste.

Proceso de Trabajo

Finalmente, después de sopesar opciones, decidí, para esta obra, utilizar gouache, ya que, al tratarse de una composición en colores planos, sin introducción de sombras ni volúmenes, quedaría con aspecto de ilustración.

El gouache es una técnica que se origina en Italia, en el siglo XI, al añadir, posiblemente de manera casual, blanco de zinc a las acuarelas¹⁰. Todos los pigmentos llevan este blanco a excepción del negro, lo cual nos permite conseguir un color opaco, sin variaciones de valor provocadas por el papel. Esta característica me ha parecido muy interesante para el mantener de manera efectiva, los colores elegidos en la paleta.

He elegido para la obra, un soporte DINA3 de alto gramaje (300g/m2) para técnicas mixtas, pero al haber realizado el boceto en a4, el dibujo conserva ese tamaño.

A la hora de buscar los colores de la paleta elegida, decidí hacerlo a partir de cinco colores: los primarios, blanco y negro. Personalmente, he conocido el gouache recientemente y me pareció un buen ejercicio para seguir mezclando colores y aprendiendo.

Anotaciones sobre las mezclas de colores:

Amarillo: Amarillo puro, más una pizca de negro para oscurecer

Violeta oscuro: Magenta, más un poco de negro para amarronar

Lila: Magenta y Blanco, más un poco de cian

Azul oscuro: Cian y negro, más un poco de magenta.

Verde Oscuro: cian y amarillo

Verde claro: más cian que amarillo, más blanco para aclarar

Azul Claro: cian y mucho blanco, más un poco de magenta

Azul medio: cian, más un poco de magenta y blanco

Para realizar la variación cromática siguiendo con la idea de los esbozos, realicé una observación detallada del circulo cromático que realizamos en la PEC anterior, buscando encontrar los colores complementarios que me parecieran más exactos y adecuados, ya que en el esbozo me tuve que conformar con lo más parecido que tenia en los lápices.

Observé, como he comentado antes, que todos los colores de la paleta primaria estaban formados por análogos del cian, conformando la parte izquierda del círculo, de manera que busqué los complementarios a ellos que conformaran la misma secuencia, pero de la parte derecha del círculo, análogos del magenta.

He mantenido la gama de oscuridad de manera que por ejemplo el azul que estaba en tres valores, lo he sustituido por naranja en la misma escala de valores, aunque estos no fueran sus exactos complementarios.

Las anotaciones, siguiendo el mismo orden que en la obra anterior, serían las siguientes: Color (color sustituido)

Violeta (Amarillo): cian y magenta

Verde oscuro (Violeta oscuro): amarillo y cian, un poco de magenta y negro para oscurecer

Verde claro (lila): más amarillo que cian, un poco de magenta y negro para oscurecer

Naranja oscuro (Azul Oscuro): magenta, amarillo y negro, más un poco de cian.

Magenta Oscuro (verde oscuro): magenta y una pizca de amarillo y negro

Magenta claro (verde claro): magenta y blanco, amarillo para anaranjar

Naranja Claro (azul claro): magenta, amarillo y mucho blanco, más un poco de cian

Naranja medio (azul medio) : magenta y amarillo, más un poco de cian y blanco

Valoración del Proceso

Este ejercicio, me ha permitido empezar a conocer como se ha influido en la paleta cromática a lo largo de la historia de la pintura. Desde la reserva de los colores más caros durante la edad media, como el azul ultramar, el oro y el bermellón¹, a la explosión del color durante el impresionismo.

La extracción de la paleta de la pintura de Monet me ha enseñado mucho sobre la importancia que tiene la armonía de los colores en la obra. He intentado obtener una muestra lo más representativa posible teniendo en cuenta la limitación del ejercicio a ocho colores.

Al analizar la paleta a través del programa, he podido comprender mejor el funcionamiento de la mezcla de colores en la síntesis aditiva y darme cuenta de que, a pesar de parecer colores simples, todos contemplan los tres pigmentos RGB, con lo cual, a la hora de conseguir los pigmentos con el gouache he mantenido en todas las mezclas una cierta cantidad de cian, consiguiendo una paleta que me inspira una temperatura cromática fría.

En la variación cromática de colores complementarios he intentado lo mismo, pero manteniendo cierta cantidad de magenta en todos los matices, de manera que la temperatura es cálida.

El color y su percepción influye de manera importante en nuestras emociones y sentimientos, en parte influenciado por nuestros recuerdos relacionados con el color.

Por lo que las dos obras nos dan unas sensaciones muy distintas a pesar de tratarse de la misma composición. La primera obra puede inspirarnos un paisaje fresco y relajado, mientras que la segunda parece un atardecer caluroso de otoño

En cuanto a la técnica, he notado un mejor manejo de gouache en esta ocasión, consiguiendo hasta solventar un problemilla de “agua” que tuve durante la realización de la primera obra y que podéis ver en las fotos del proceso. Y he de decir que me estoy sintiendo cómoda pintando con gouache, tendría que probar la siguiente vez con paletas de más color.

Me ha gustado mucho la realización de este ejercicio ya que te obliga a investigar y salir de tu zona de confort a la hora de planear una obra. Me ha encantado poner en marcha mi imaginación para decidir como seria la opción que más va con mi estilo y en general estoy contenta con el resultado.

Referencias:

1 Fernández B. “Procedimientos, técnicas pictóricas y usos del color. Evolución y desarrollo” disponible en: http://arts.recursos.uoc.edu/taller-pintura-color/es/

2 Programa GIMP disponible en: http://www.gimp.org.es

3 Calvo M. “William Turner.”. Disponible en https://historia-arte.com/artistas/william-turner

4 Calvo M. “El sol. Ahí viene el sol.”. Disponible en https://historia-arte.com/obras/el-sol

5 Calvo M. “Edvard Munch.”. Disponible en https://historia-arte.com/artistas/edvard-munch

6 Calvo M. “Mujer ante espejo. La mujer cubista también es bella.”. Disponible en https://historia-arte.com/obras/mujer-ante-espejo-de-picasso

7 Calvo M. “Los nenúfares. Monet nos aturde con la arrebatadora belleza y armonía de sus lienzos”. Disponible en https://historia-arte.com/obras/los-nenufares

8 Fernández B. “Creación de una paleta de color” Primera parte. Vídeotutorial GIMP. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=QPYaGk1CbaA

9 Fernández B. “Creación de una paleta de color” Segunda parte. Vídeotutotial GIMP. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=ZPw8fX-FuYg&t=17s

10 Ferrando E. Art Tool Kit UOC. Disponible en http://art-toolkit.recursos.uoc.edu/es/tempera-o-gouache/