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PEC2. Adaptación de una paleta. …
PEC2. Adaptación de una paleta.
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«Pinto… como un pájaro canta.» Claude Monet Planteamiento Inicial Se nos plantea una búsqueda de referentes artísticos, utilizando todo tipo de fuentes…
«Pinto… como un pájaro canta.» Claude Monet Planteamiento Inicial Se nos plantea una búsqueda de referentes artísticos, utilizando todo…
«Pinto… como un pájaro canta.»
Claude Monet
Planteamiento Inicial
Se nos plantea una búsqueda de referentes artísticos, utilizando todo tipo de fuentes disponibles, desde la propia naturaleza hasta fuentes digitales como redes sociales.
Con ayuda de estos referentes, realizaremos un estudio de color y de cómo nos vemos representados en ellos, con el fin de realizar nuestro propio inventario de color.
Materiales elegidos
-Material de estudio “Procedimientos, técnicas pictóricas y usos del color. Evolución y desarrollo”1.
-Programa GIMP2
-Diario del artista: Cuaderno DINA4 (160g/m2) para técnicas mixtas Van Gogh.
-Lápices de colores para bocetar
-Papel DINA3 de alto gramaje (300g/m2) para técnicas mixtas Van Gogh.
-Paleta plástica para hacer las mezclas.
-Colores Gouache Talens.
-Pinceles N.º 2 de punta redonda y 4 y 8 de punta cuadrada Van Gogh.
-Trapo de algodón.
-Cuenco para agua.
-Espátula para mezclas
– Film de plástico para la conservación de las mezclas
– Pastilla Jabón para la higiene del material
Parte 1: Búsqueda y análisis de Referentes pictóricos. Estudio del color.
Para comprender como ha evolucionado la pintura, y de su mano, el color, a lo largo de los siglos, debemos conocer la evolución en general de la humanidad y de sus recursos. Esto nos lleva a enmarcar las obras en periodos complejos que responden a ideologías y realidades1.
En este apartado vamos a hablar de tres obras que me han llamado la atención y que pertenecen a tres estilos muy distintos. Haciendo hincapié de esa manera, en las características sociales en dichos periodos y como influenciaron a los artistas y a su uso del color.
Bell rock lighthouse, Turner.
Autor: William Turner (1775 -1851)
Título: Bell rock lighthouse
Año: 1819
Medio: acuarela y gouache con rayado
Dimensiones: H 306, W 455 mm
Localización actual: Scottish National Gallery
Vía: dominio público. Wikimedia commons
Turner es considerado uno de los mejores paisajistas de la historia3. Vivió en una época en la que se va configurando una nueva sensibilidad para los artistas, que querían defender su independencia y salir de los temas clásicos a los que se le había prestado atención anteriormente como eran la iglesia y los retratos a la burguesía.
Es por esto por lo que se dice, que el artista romántico, confía en el genio creador que nace de sus impulsos irracionales1. Ante esta tesitura, el género del paisaje surge como una nueva forma de acercarse a la naturaleza.
En esta obra podemos apreciar una paleta reducida en la que predomina la analogía cromática de los tonos azules, añadiendo grises cromáticos, beiges y blancos agrisados.
La temperatura de la obra es fría, como corresponde a una tormenta marina, aunque juega con la luz utilizando la interacción entre complementarios azul-amarillo. Turner, estuvo muy interesado en las teorías cromáticas de la época, como las teorías de las polaridades de Goethe, que aplicó en sus interacciones entre la luz y el color. En la parte alta del cuadro se atisba un poco de calidez, al añadir un poco de amarillo, relacionado con la iluminación provocada por los rayos. Del mismo modo, el faro y el barco parece reflejar un color ligeramente más cálido que el resto de la obra, como queriendo resaltar el hombre frente a la naturaleza.
Solen, Munch.
Título: Solen
Año: 1911
Medio: oleo sobre lienzo
Dimensiones: H 455, W 780 mm
Localización actual: University of Oslo Faculty of Law
Vía: dominio público. Wikimedia commons
Münch es el máximo representante de la pintura Expresionista1. Disfrutaba de pintar temáticas sórdidas y intentar con ello diseccionar el alma de sus representados. No en vano de sus obras más famosas esta “El grito” y “Ansiedad”. Su estilo esta muy influenciado por van Gogh, siendo algo reconocido por el propio artista4.
Este óleo, en contraposición con su trayectoria habitual, nos muestra al Münch más optimista, pintando un magnifico amanecer sobre los fiordos noruegos para el aula Magna de la universidad de Oslo5.
Podemos apreciar que la paleta no es reducida, ya que en la obra se aprecian muchos matices. Principalmente, apreciamos la armonía cromática en el uso de la analogía en los tonos amarillos, naranjas y azules. Solo oscurecidos por el color gris de la piedra. Pero incluso a esos tonos, los hace parecer vibrantes. Aquí nos habría que apuntar obre la analogía azul-amarillo nuevamente.
La temperatura de la obra es cálida en la parte superior y deja penetrar la calidez en la parte inferior, a pesar de que esta es más fría, como buscando hacernos notar el calor del sol.
Mujer ante el espejo, Picasso.
Título: Mujer ante el espejo
Año: 1935
Medio: oleo sobre lienzo
Dimensiones: H 162.3, W 130.2 cm
Localización actual: Museo de Arte Moderno de Nueva York (Estados Unidos)
Vía: dominio público. Wikimedia commons
Picasso creó, junto con Braque, la corriente objetiva que se desarrolla en el Cubismo. Un movimiento muy influenciado por las revoluciones científicas y tecnológicas de la época1.
En esta obra, Picasso retrató a su amante frente a un espejo6. Podemos ver que en el reflejo no se muestra la realidad. La mujer es joven y bella, mientras que la imagen reflejada, parece anciana y ajada. Como queriendo hacernos ver la constancia del paso del tiempo y que nunca volverá a ser igual que hoy.
El artista mezcla colores sin restricciones, encontrándonos una paleta con multitud de matices distintos. Amarillo, rojo, verde, naranja, azul… y sin que se aprecie analogía cromática ni interacción entre complementarios.
La obra tiene una impresión de obra cálida, utilizando la mayoría de los tonos a ese lado del círculo cromático. Dicha zona cálida quiere dar una imagen alegre de la juventud, frente a la imagen del espejo, en la que ha metido una paleta más fría, para hacernos apreciar la tristeza de la vejez.
Parte 2: Inventario de Color y construcción de nuestra paleta.
He elegido para este ejercicio, una obra que representa el impresionismo. En dicha época, los pintores empiezan a alejarse de los dictámenes de la academia, obligando al artista a salir del estudio y pintar al natural1.
Claude Monet (1840 -1926) realizó más de 250 oleos sobre tela, sobre los nenúfares que cultivó en su residencia en Giverny.
Monet ya estaba consagrado como pintor cuando realizó estas obras, pero siempre siguió explorando nuevas posibilidades pictóricas, y en estas últimas obras las formas están prácticamente disueltas en manchas de color7.
Autor: Claude Monet (1840 -1926)
Título: Les Nymphéas
Año: 1919
Medio: óleo sobre lienzo
Dimensiones: H. 150 cm; L. 197 cm
Localización actual: Musée Marmottan Monet. Francia
Vía: dominio público. Wikimedia commons
La obra transmite, a mi parecer, paz y relajación, quizás por el predominio de colores fríos en su paleta, como el azul y el verde, en su analogía cromática. El artista juega también con los colores complementarios, haciendo destacar las pinceladas de tonos lilas en contra posición con los azules y de amarillo en contraposición con los verdes. En cualquier caso, esta obra y sus hermanas fueron pintada por Monet a su patria como un «monumento a la paz» con motivo de conmemorar el fin de la primera guerra mundial.
En esta práctica se nos pide resumir los colores de la obra a una paleta de ocho colores principales. Para ello me he servido del p programa GIMP y los tutoriales “Creación de una paleta de color”8,9
Esta sería mi paleta resultante:
Como podemos ver en la paleta encontramos tonos ligeramente oscurecidos de primarios y secundarios, abundando los matices fríos. He considerado poner 3 tonos de azul y 2 de verde, ya que ellos son los predominantes de la obra. Y no he excluido el amarillo y los tonos violáceos por ser los que aportan el contraste.
El siguiente paso ha sido hacer la representación de estos colores en la obra por porcentajes. Ha sido difícil y me he dejado orientar por mi percepción.
- Amarillo: 3%
- Violeta oscuro: 5%
- Lila: 6%
- Azul oscuro: 10%
- Verde Oscuro: 11%
- Verde claro: 15%
- Azul Claro: 25%
- Azul medio: 35%
Para concluir, tomé los valores de los colores de la paleta en RGB (Red, Green, Blue), es decir, en colores luz. Se trata de una mezcla aditiva, esto quiere decir que la mezcla de los colores tiende a blanco.
Como podemos ver, los valores RGB de todos los colores son bajos, esto quiere decir que tienen poca luz, por lo tanto, están oscurecidos.
Amarillo: Creo que el amarillo es el representando en menor medida (3%). El color esta representado casi a iguales dosis de Verde con Rojo, es lógico ya que en el circulo cromático el amarillo aparece como secundario a la mezcla de estos dos. La poca cantidad de azul que tiene le da un tinte verdoso.
Violeta oscuro: El violeta oscuro aparece como sombra para los nenúfares (5%) principales que son lilas. En la escala RGB, este color es principalmente rojo y a partes prácticamente iguales de verde y azul, oscureciendo el resultado.
Lila: Los nenúfares en tono lila/rosado (6%), hacen de color complementario con el tono verde sobre el que se muestra. El color tiene iguales porcentajes de rojo y azul, ya que el secundario de ellos es el magenta, también tiene bastante cantidad de verde, que ayuda a quitarle intensidad.
Azul Oscuro: Este tono esta representado en el agua mas cercana al espectador, bajo los árboles, donde da menos el sol (10%). Es el único tono de mi paleta que tiene ausencia de uno de los colores primarios, en este caso de rojo. La mezcla de azul y verde da como resultado el cian, en este caso oscurecido por el bajo porcentaje de color, y tendente un poco más hacia el azul.
Verde Oscuro: lo encontramos en las hojas del sauce y haciendo sombra en algunos nenúfares (11%). Al ser verde, este será su tono principal en la mezcla, en segundo lugar, de azul, para darle un matiz más intenso y por último con un ligero tinte rojo que hace que pierda luminosidad.
Verde Claro: Ya entramos con uno de los colores que más se aprecian en la obra, estando en la mayoría de las hojas de nenúfares (15%). Al igual que el tono de verde anterior, su matiz principal es el verde, aunque en este caso en mayor medida. El azul aquí también está más presente, al igual que el rojo. Las proporciones de los matices azul y rojo en ambos verdes son prácticamente iguales, lo que hace que el verde no tienda especialmente a ningún otro tono.
Azul Claro: Se representa en la parte más alejada de la vista del espectador en el agua (25%). Esta formado por una mezcla casi igual de azul y verde, ya que como hemos dicho anteriormente, el secundario de ambos es el cian. En este caso, con respecto al otro tono de azul que hemos visto, los matices están más presentes, siendo un color más luminoso. También tenemos presente una buena cantidad de rojo que oscurece el matiz.
Azul Medio: Toda la parte central del agua esta representada en este color (35%), por lo tanto, creo que es el que más se aprecia en la obra. Es un tono bastante parecido al azul que hemos comentado antes. En este caso, los porcentajes de los tres matices son más bajos, para restarle luminosidad, pero mantienen aproximadamente las proporciones.
En cuanto a el proceso, como me paso en la PEC anterior, el tutorial me ha parecido muy útil y gracias a él no he encontrado grandes dificultades.
Parte 3: Variación Cromática.
Idea Inicial
A partir de la paleta de color conseguida en el apartado anterior, vamos a realizar una obra libre, con los materiales y métodos que queramos. Una vez realizada, la repetiremos variando la paleta de color justificando algún criterio para ello.
Referentes
Como hemos visto anteriormente, mi paleta está basada en una obra impresionista. Monet dedicó gran parte de su carrera a la pintura al aire libre en su residencia de Giverny, y dijo en alguna ocasión «pinto… como un pájaro canta.» Las aves estaban presentes en las obras impresionistas como alegato a la vida y a la propia naturaleza que tanto amaban.
Autor: Claude Monet (1840 -1926)
Título: La urraca
Año: 1868 – 1869
Medio: óleo sobre lienzo
Dimensiones: H. 890 mm; L. 1300 mm
Localización actual: Musée d´Orsay
Vía: dominio público. Wikimedia commons
La pintura de pájaros y flores ha sido un tema pictórico prácticamente unido a lo largo del tiempo. Tanto es así, que existe un género en la pintura china al que se le asigna este nombre. Podemos encontrar obras de este tipo en distintos soportes, como son pergaminos, abanicos, hojas de álbum y papel de escribir. Los artistas más representativos son Huang Quan 㥳 㥳 (c. 900 – 965) y Xu Xi 徐 熙 (937–975). Este género posteriormente se haría popular también en Japón.
Cuando nos disponemos a hacer una representación de este cariz, es importante el equilibrio de la composición, es decir, el peso de los pájaros como color debe quedar compensado y complementado con el volumen de las flores y nos resulta más interesante un centro de interés descentrado.
Esbozos
Para llevar a cabo este proyecto, he comenzado buscando inspiración en imágenes libres sobre pájaros y flores por internet y buscando obras famosas en las que las aves estuvieran presentes.
En mi diario de artista realicé los primeros esbozos a lápiz, hasta llegar a una composición que me gustara y me pareciera proporcionada a los colores de la paleta que debía utilizar. El primer boceto lo entinté para que me fuera más sencillo realizar calcos para las siguientes pruebas a realizar.
Finalmente, esos dos bocetos los coloreé para hacerme una idea orientativa. Para ello creé dos paletas con lápices de colores. La primera con los colores que forman la gama elegida, para la segunda la elección fue más complicada, ya que debíamos elegir una variación cromática.
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Estudiando atentamente mi primer boceto coloreado y mirando la gama de color en nuestro circulo cromático, me di cuenta, que todos los colores a excepción los rosas, completaban la mitad izquierda del círculo, tomando la obra una temperatura fría, con mucho predominio del azul y del verde. Así que pensé que podría ser una buena idea cambiar la temperatura a cálida pasando esos colores a tonos rojizos y naranjas. Del mismo modo, los colores que realizan las «pinceladas de color» que serían los rosas y el amarillo, los cambié por sus colores complementarios para que, de esa manera, siguieran aportando contraste.
Proceso de Trabajo
Finalmente, después de sopesar opciones, decidí, para esta obra, utilizar gouache, ya que, al tratarse de una composición en colores planos, sin introducción de sombras ni volúmenes, quedaría con aspecto de ilustración.
El gouache es una técnica que se origina en Italia, en el siglo XI, al añadir, posiblemente de manera casual, blanco de zinc a las acuarelas10. Todos los pigmentos llevan este blanco a excepción del negro, lo cual nos permite conseguir un color opaco, sin variaciones de valor provocadas por el papel. Esta característica me ha parecido muy interesante para el mantener de manera efectiva, los colores elegidos en la paleta.
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He elegido para la obra, un soporte DINA3 de alto gramaje (300g/m2) para técnicas mixtas, pero al haber realizado el boceto en a4, el dibujo conserva ese tamaño.
A la hora de buscar los colores de la paleta elegida, decidí hacerlo a partir de cinco colores: los primarios, blanco y negro. Personalmente, he conocido el gouache recientemente y me pareció un buen ejercicio para seguir mezclando colores y aprendiendo.
Anotaciones sobre las mezclas de colores:
Amarillo: Amarillo puro, más una pizca de negro para oscurecer
Violeta oscuro: Magenta, más un poco de negro para amarronar
Lila: Magenta y Blanco, más un poco de cian
Azul oscuro: Cian y negro, más un poco de magenta.
Verde Oscuro: cian y amarillo
Verde claro: más cian que amarillo, más blanco para aclarar
Azul Claro: cian y mucho blanco, más un poco de magenta
Azul medio: cian, más un poco de magenta y blanco
Para realizar la variación cromática siguiendo con la idea de los esbozos, realicé una observación detallada del circulo cromático que realizamos en la PEC anterior, buscando encontrar los colores complementarios que me parecieran más exactos y adecuados, ya que en el esbozo me tuve que conformar con lo más parecido que tenia en los lápices.
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Observé, como he comentado antes, que todos los colores de la paleta primaria estaban formados por análogos del cian, conformando la parte izquierda del círculo, de manera que busqué los complementarios a ellos que conformaran la misma secuencia, pero de la parte derecha del círculo, análogos del magenta.
He mantenido la gama de oscuridad de manera que por ejemplo el azul que estaba en tres valores, lo he sustituido por naranja en la misma escala de valores, aunque estos no fueran sus exactos complementarios.
Las anotaciones, siguiendo el mismo orden que en la obra anterior, serían las siguientes: Color (color sustituido)
Violeta (Amarillo): cian y magenta
Verde oscuro (Violeta oscuro): amarillo y cian, un poco de magenta y negro para oscurecer
Verde claro (lila): más amarillo que cian, un poco de magenta y negro para oscurecer
Naranja oscuro (Azul Oscuro): magenta, amarillo y negro, más un poco de cian.
Magenta Oscuro (verde oscuro): magenta y una pizca de amarillo y negro
Magenta claro (verde claro): magenta y blanco, amarillo para anaranjar
Naranja Claro (azul claro): magenta, amarillo y mucho blanco, más un poco de cian
Naranja medio (azul medio) : magenta y amarillo, más un poco de cian y blanco
Valoración del Proceso
Este ejercicio, me ha permitido empezar a conocer como se ha influido en la paleta cromática a lo largo de la historia de la pintura. Desde la reserva de los colores más caros durante la edad media, como el azul ultramar, el oro y el bermellón1, a la explosión del color durante el impresionismo.
La extracción de la paleta de la pintura de Monet me ha enseñado mucho sobre la importancia que tiene la armonía de los colores en la obra. He intentado obtener una muestra lo más representativa posible teniendo en cuenta la limitación del ejercicio a ocho colores.
Al analizar la paleta a través del programa, he podido comprender mejor el funcionamiento de la mezcla de colores en la síntesis aditiva y darme cuenta de que, a pesar de parecer colores simples, todos contemplan los tres pigmentos RGB, con lo cual, a la hora de conseguir los pigmentos con el gouache he mantenido en todas las mezclas una cierta cantidad de cian, consiguiendo una paleta que me inspira una temperatura cromática fría.
En la variación cromática de colores complementarios he intentado lo mismo, pero manteniendo cierta cantidad de magenta en todos los matices, de manera que la temperatura es cálida.
El color y su percepción influye de manera importante en nuestras emociones y sentimientos, en parte influenciado por nuestros recuerdos relacionados con el color.
Por lo que las dos obras nos dan unas sensaciones muy distintas a pesar de tratarse de la misma composición. La primera obra puede inspirarnos un paisaje fresco y relajado, mientras que la segunda parece un atardecer caluroso de otoño
En cuanto a la técnica, he notado un mejor manejo de gouache en esta ocasión, consiguiendo hasta solventar un problemilla de “agua” que tuve durante la realización de la primera obra y que podéis ver en las fotos del proceso. Y he de decir que me estoy sintiendo cómoda pintando con gouache, tendría que probar la siguiente vez con paletas de más color.
Me ha gustado mucho la realización de este ejercicio ya que te obliga a investigar y salir de tu zona de confort a la hora de planear una obra. Me ha encantado poner en marcha mi imaginación para decidir como seria la opción que más va con mi estilo y en general estoy contenta con el resultado.
Referencias:
1 Fernández B. “Procedimientos, técnicas pictóricas y usos del color. Evolución y desarrollo” disponible en: http://arts.recursos.uoc.edu/taller-pintura-color/es/
2 Programa GIMP disponible en: http://www.gimp.org.es
3 Calvo M. “William Turner.”. Disponible en https://historia-arte.com/artistas/william-turner
4 Calvo M. “El sol. Ahí viene el sol.”. Disponible en https://historia-arte.com/obras/el-sol
5 Calvo M. “Edvard Munch.”. Disponible en https://historia-arte.com/artistas/edvard-munch
6 Calvo M. “Mujer ante espejo. La mujer cubista también es bella.”. Disponible en https://historia-arte.com/obras/mujer-ante-espejo-de-picasso
7 Calvo M. “Los nenúfares. Monet nos aturde con la arrebatadora belleza y armonía de sus lienzos”. Disponible en https://historia-arte.com/obras/los-nenufares
8 Fernández B. “Creación de una paleta de color” Primera parte. Vídeotutorial GIMP. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=QPYaGk1CbaA
9 Fernández B. “Creación de una paleta de color” Segunda parte. Vídeotutotial GIMP. Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=ZPw8fX-FuYg&t=17s
10 Ferrando E. Art Tool Kit UOC. Disponible en http://art-toolkit.recursos.uoc.edu/es/tempera-o-gouache/
Debate2en PEC 2: ADAPTACIÓN DE UNA PALETA
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Qué preciosos pájaros y flores!!! Qué oriental!!! Te han dado muchísimo juego de color, claro. Has elegido un tema muy rico, que te ha potenciado el ejercicio, y todo lo has hecho con mucho esmero y cuidado. Me encanta.
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Muchas gracias Úrsula!
que alegría que te guste, que después de tres semanas concentrada en el trabajo, el resultado siempre te sabe a poco.
le he puesto todo el esmero que he podido, a ver la siguiente como nos va!
Lo siento, debes estar conectado para publicar un comentario.
Introducción. Esta actividad tiene como objetivo analizar paletas de color de diferentes artistas para llevarlas a la práctica, pudiendo así afrontar las…
Introducción. Esta actividad tiene como objetivo analizar paletas de color de diferentes artistas para llevarlas a la práctica, pudiendo…
Introducción.
Esta actividad tiene como objetivo analizar paletas de color de diferentes artistas para llevarlas a la práctica, pudiendo así afrontar las futuras obras con un estudio cromático consciente.
- Primera parte: Búsqueda y análisis de referentes pictóricos. Estudio de color.
Tras la lectura del documento “Procedimientos, técnicas pictóricas y usos del color. Evolución y desarrollo”, seleccioné tres obras pictóricas, de las que analizo a continuación sus procedimientos, técnicas pictóricas y usos del color.
Merisi da Caravaggio, M. [Michelangelo] (1599-1600). La vocación de san Mateo. Pintura [Óleo sobre lienzo]. San Luigi dei Francesi, Roma, Italia. https://historia-arte.com/obras/vocacion-de-san-mateo
Esta obra de marcado estilo tenebrista de Caravaggio representa de forma magistral la utilización del claroscuro, en donde el artista enfatiza las figuras con contraste acentuado generando volúmenes mediante luces y sombras muy marcadas.
La escena, que se desarrolla dentro de una estancia, está iluminada de derecha a izquierda por la luz que entra a través de una ventana. Esta luz es representada con tonalidades amarillas, generando dinamismo y movimiento en la escena con una marcada línea diagonal que separa la parte de la luz de la oscuridad, representada por el predominante color negro.
En cuanto a la paleta de colores decir que es bastante reducida, puesto que predominan los tonos amarillos, ocres, el rojo y el negro, generando así un mayor contraste y facilitando generar el ambiente tenebroso buscado por el artista. También hay matices de grises, azules y rojos, pero muy puntualmente en la ropa de alguno de los personajes de la escena, que también se acompaña de blancos para fortalecer el brillo en ciertos lugares.
En cuanto al dibujo, decir que es muy marcado en las zonas de luz, mientras que, en las figuras de segundo plano, así como las partes que están en zonas oscuras, se difumina la línea mediante una magistral utilización del sfumato y manchas de color.
Se aprecia en la obra analogía cromática ya que se emplean amarillos, rojos y naranjas como tonos predominantes, generando esto una temperatura cálida, pese a lo tenebroso y contrastado de la obra.
Rubens, P. P. [Pedro Pablo] (1622-1625). Retrato de Susana Lunden. Pintura [Óleo sobre panel]. National Gallery, Londres, Reino Unido. https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/peter-paul-rubens-portrait-of-susanna-lunden-le-chapeau-de-paille
En esta obra de Rubens, artista destacado de comienzos del Barroco, muestra la predilección de la época por supeditar el color al dibujo, muestra de ello son las pinceladas y manchas de color que pueden observarse en la ropa e incluso en las nubes del paisaje de fondo.
En cuanto a las tonalidades empleadas decir que predominan los tonos grises, en concreto mezclados con azul en el fondo, y los existentes en las diferentes partes de la ropa y sombrero de la protagonista. Estas tonalidades contrastan con el azul claro del fondo, que parece rodear la cabeza y sombrero de la protagonista, provocando que centremos la mirada en ella.
El rostro, cuello y pecho de la retratada Susana Lunden, en donde se pueden observar tonalidades blancas, rosas, naranjas y algunos matices rojos y azules, muestran la parte más iluminada del cuadro, generando un apreciable contraste con respecto al fondo, así como a la ropa de tonalidad negra, que sirven también para enmarcar esta parte del cuadro y provocar que el espectador siga observando, al menos en un primer momento, esta parte.
Los tonos rojos de las mangas de la protagonista también generan brillo y contraste con respecto al resto de tonalidades empleadas en la obra, aunque no con tanta fuerza como los tonos de la piel, que se apagan y oscurecen cuando están en sombra, como es el caso de la mano más alejada, y en menor medida de la otra mano que está encima de la anterior.
Analizando ahora la iluminación de la obra, se puede contemplar cómo la luz viene en dirección inclinada de arriba abajo y de izquierda a derecha, siendo el pecho de la protagonista la parte más iluminada del cuadro junto al hombro de la izquierda del cuadro. Esta iluminación genera que se proyecten sombras más pronunciadas en la parte derecha de la obra, de ahí las sobras generadas en el rostro y hombro por el sombrero, o los verdes oscuros generados en el fular.
En cuanto a la paleta de colores, decir que usa el rango del círculo cromático que predomina va desde el rojo al verde, empleando rojos, rosas, y azules, provocando interesantes contrastes entre el azul del cielo y el rojo de la ropa, que están prácticamente opuestos en el círculo cromático, así como entre el rojo y el verde que son complementarios e interactúan en un interesante diálogo entre las mangas y el fular.
Con este rango decolores, cabe señalar que existe la analogía cromática puesto que se utilizan colores adyacentes como lo son el cyan y los azules y verdes.
Si nos centramos en los matices de color, podemos ver cómo el rango de colores es muy amplio en la obra, ya que están presentes además, los naranjas del pelo y piel, o el amarillo que representa la luz del sol en ciertos puntos de las nubes.
El claroscuro de esta obra está realizado con una amplia paleta de color, en lugar de utilizar una paleta monocromática.
En cuanto a la temperatura cromática decir que Rubens juega a la perfección con tonalidades frías (verdes, azules y grises) junto con las cálidas (rojos, rosas y naranjas), generando una escena que, pese a su equilibrio en la temperatura, se podría decir que es mayoritariamente fría.
Matisse, H. [Henrri] (1905). Le Bouheur de vivre. Pintura [óleo sobre lienzo] Fundación Barnes, Filadelphia, Pensilvania. https://collection.barnesfoundation.org/objects/7199/Le-Bonheur-de-vivre-also-called-The-Joy-of-Life/
Matisse emplea en esta obra una variada paleta compuesta por una combinación de colores fríos, azules y verdes en claro contraste con colores cálidos, como son el amarillo, rojo, naranja y rosas.
Esta combinación de colores genera que la obra sea muy dinámica ya que están continuamente interactuando colores complementarios, como podemos ver en las líneas rojas y verdes de las dos figuras centrales, o del tronco verde de la izquierda que está próxima a una mancha roja contigua. También existe contraste entre colores complementarios como ramas azules con frondosidad naranja o los tonos rosas junto a los verdes.
El autor combina a la perfección el dibujo, mediante líneas de color, junto a las manchas de colores planos con los que genera esta vibrante composición.
Pese a la utilización de amarillo, rojo y cyan, y colores fríos y cálidos, la composición de color es armoniosa.
Existen analogías cromáticas entre rojos, naranjas y amarillos.
- Segunda parte: Inventario de color y construcción de nuestra paleta.
2.1. Obra pictórica elegida.
La obra que he elegido es la última que analicé en el apartado anterior, Le Bouheur de vivre de Matisse pues siempre me atrajo el movimiento generado con la utilización del color, así como el uso del dibujo y líneas.
Tras analizar la obra realicé con el programa GIMP mi inventario proporcional de color, siguiendo las indicaciones de los vídeos “Creación de una paleta de color” e «Inventario proporcional» y reduciendo la paleta a tan solo 8 colores.
Creación de paleta de color.
Inventario proporcional.
2.2 Anotaciones de los valores RGB.
Tomando como base mi inventario de color, realicé las siguientes anotaciones utilizando el programa de edición de imagen GIMP:
Anotaciones de valores.
- Variación cromática en técnica libre sobre papel.
3.1. Realizar una obra libre utilizando el inventario proporcional de colores obtenido en la segunda parte del ejercicio.
Utilizando el inventario proporcional de colores presentado en el anterior apartado realicé una obra propia utilizando gouache y papel A3 de 300 gramos, buscando los matices más parecidos, grado de valor e intensidad.
Para realizar la obra utilicé como base un dibujo del libro “Anatomía artística 4 Grasas y pliegues de la piel” de Michel Lauricella (2919). El dibujo es el siguiente:
Lauricella, M. [Michel] (2019). Anatomía Artística 4. Grasas y pliegues de la piel. Boceto [lápiz sobre papel] Gustavo Gili, Barcelona.
Sobre este boceto, se me ocurrió superponerle un cráneo que manipulé en una posición concreta generada con el programa Anatomía 3D (2022) para el artista en mi Ipad con el programa Procreate, generando un collage digital como se puede ver en las dos imágenes siguientes.
Imagen generada con la app Anatomía 3D para artistas (2022).
Imagen creada con la app Procreate (2022).
En este punto, utilicé la imagen como referencia para elaborar las dos obras de este ejercicio. A continuación, se pueden ver los pasos de la creación de la primera obra, así como la mezcla de colores para obtener la paleta de referencia.
Mesa de trabajo y material empleado para realizar los bocetos de las obras.
Boceto inicial en papel A3 de 300 gramos realizado con lápiz.
Paleta de colores obtenida en guache en base a la paleta de color de la obra analizada de Matisse.
Aplicación de amarillo para el fondo y morado para ciertas líneas internas.
Aplicación de líneas verdes en contornos exteriores.
Paso previo a la imagen final con todos los colores de la paleta utilizados.
Imagen final resultado.
3.2. Realizar un ejercicio de variación cromática.
Tras realizar la primera obra procedía repetirla cambiando los colores. Con la intención de variar el significado de la obra, decidí crear una paleta monocromática empleando tinta china negra, así como tonalidades grises obtenidas de su mezcla con agua. También empleé en ciertos lugares rotulador de base de alcohol negro.
Para sacar ciertas luces y partes claras empleé lejía, generando tonalidades marrones amarillentas cuando fue aplicada en las manchas de tinta, y tonalidades azules en las aplicadas sobre el negro obtenido con el rotulador.
Con estos matices conseguí una sensación mucho más lúgubre y oscuro, cambiando el significado, a mi parecer, a una imagen más agresiva, pesimista y tenebrosa.
Paleta de colores claroscuro.
Primeras manchas.
Encajando el dibujo.
Graduando el tono.
Superponiendo dibujo con líneas blancas y negras.
Imagen final resultado.
3.2. Anotaciones del proceso creativo y conclusiones.
En primer lugar, he de decir que todo el proceso ha sido muy enriquecedor. Creo que abordar una obra pensando tanto en la composición de la misma como en la paleta de color es muy positivo, ya que te permite ser más decidido de cara a crear imágenes interesantes.
En segundo lugar, inspirarse en un cuadro de un artista de tu gusto, es algo muy interesante, ya que por un lado sabes que te gusta ese esquema cromático, y por otro puedes llevarlo a tu terreno, sabiendo de antemano que sensaciones pueden generar en el espectador su uso en unas determinadas proporciones. Sin duda es algo que me llevo de esta actividad y que a futuro usaré, ya he empezado de hecho a recopilar paletas interesantes en una carpeta.
También decir que la utilización de GIMP para sacar exactamente las proporciones de cada color es muy práctico, ya que nos lanza una información vital de cara a realizar las mezclas de color e intentar acercarnos a ese tono.
Cada proceso creativo tiene unos caminos, a veces me gusta empezar una obra sin pensar en el motivo, otras, me gusta buscar un concepto y una imagen mental para desarrollarla después. En el caso de este ejercicio opté por la segunda vía, apoyándome un collage que hice yo mismo, y que de por sí podría entenderse como una imagen nueva. En base al collage procedí a hacer mi boceto, como quería que fueran líneas bastante sueltas y gestuales no quise hacer varios bocetos, sino que confié en mi pulso para hacer el boceto inicial. Por ese mismo motivo en la segunda imagen no calqué la anterior, fue una manera de que cada obra también tuviera su personalidad propia, cuestión que se vio más que reforzada con el cambio de esquema cromático.
En cuanto a la paleta de Matisse que desarrollé, decir que gracias al ejercicios de la PEC 1 conseguí sacar las tonalidades de una forma natural y bastante próxima. Limitar la paleta a 8 colores también creo que es interesante, pues así apuestas por colores limitados y no te pierdes en la infinita variedad cromática de un cuadro. Como resultado, conseguí una obra que, pese a la temática, considero tiene como resultado una obra vibrante, llena de energía e incluso positividad, haciendo que la lectura del espectador de la misma sea más “amable”.
Para el segundo ejercicio, decidí comenzar realizando charcos de agua e interviniéndolos con tinta china. En esta ocasión, preferí optar por darle mayor libertad a los pigmentos, dejando que estos junto con el agua y la lejía, generaran diferentes tonalidades. Así, la primera diferencia con respecto a la primera obra es que los colores resultantes son menos planos y más graduados.
Las partes de luz las conseguí reservando parte del papel y aplicando lejía como comenté anteriormente, esto le dio un carácter más cercano al dibujo que la primera obra, enriqueciendo también los negros y grisáceos con tonalidades marrones y azules generadas de la acción de este activo al pasar sobre la tinta china y sobre ciertas partes del a obra matizadas con rotulador negro en base de agua.
Aun siendo el mismo motivo, considero que la segunda imagen tiene una interpretación más lúgubre, oscura, tenebrosa, pesimista e incluso macabra, todo gracias a la utilización de una paleta monocromática, así como de la matización de las luces con líneas y dibujo.
En definitiva, considero este ejercicio muy enriquecedor pues permite ver cómo con un mismo concepto podemos generar diferentes imágenes con significados y sensaciones bastante distintas.
Para concluir y ejemplificar lo que comento, muestro el díptico de ambas obras juntas que bien podrían exhibirse de esta manera con el título «Venus Plácida”, obra de la izquierda, y “Venus Macabra», obra de la derecha.
«Venus Plácida».
«Venus Macabra».
Referencias.
Catfish Animation Studio S.r.l. (2022). Anatomía 3D para el artista (2.0.10) [Aplicación móvil]. App Store.
Lauricella, M. [Michel] (2019). Anatomía artística 4 Grasas y pliegues de la piel. (p.38). Gustavo Gili, Barcelona.
Savage Interactive Pty Ltd. (2022). Procreate (5.2.2) [Aplicación móvil]. App Store. https://apps.apple.com/es/app/procreate/id425073498
Fernández, B. [Bárbara] (20 de marzo de 2018). Creación de una paleta de color con GIMP. Primera parte [vídeo en línea]. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=QPYaGk1CbaA
Fernández, B. [Bárbara] (20 de marzo de 2018). Creación de una paleta de color con GIMP. Segunda parte [vídeo en línea]. Youtube. https://www.youtube.com/watch?v=ZPw8fX-FuYg&t=17s
Debate5en PEC 2. Adaptación de una paleta. Entrega final. Apartados 1, 2 y 3
- Marta de la Rocha Fernández-Jardón says:
Muy bien David, a por la segunda parte…
Un saludo
- David Lopera Gómez says:
Muchas gracias Marta,
¡A por ello!
- David Lopera Gómez says:
Hola Marta,
He actualizado la misma publicación metiendo todo lo restante y marcando la PEC para evaluación. Dime si así es correcto o lo prefieres de otra manera, de cara a la entrega final creo es más práctico ir actualizando una misma publicación que hacerlo en muchos pasos, por lo menos para mi. Si para ti es más cómodo, te hago una publicación nueva solo con lo nuevo, pero como veo que hay que entregar la PEC a través del folio en lugar de subir el pdf en evaluación… creo así te mareo menos.
Si no, dime como crees es mejor.
Por otro lado, entiendo aunque haya marcado entrega, podría hacerte otra si tengo que hacer algún cambio o mejora.
Un abrazo y mil gracias. ¡Saludos compañeros!
- David Lopera Gómez says:
Un último comentario. Edito en Folio la presentación, pero cuando meto imágenes y quiero que se alineen en el centro, como con su texto, en el visor de Folio se ve perfecto, pero una vez publico y lo veo aquí, se le va el formato y mete unas imágenes alineadas a la izquierda haciendo caso omiso a mi configuración, y con los textos igual… así se ve una maquetación que no me gusta… ¿sabéis cómo solucionarlo? ¿sólo me pasa a mi? Me da rabia emplear mucho tiempo en dejarlo perfecto y que luego lo veáis aquí de aquella manera.
¡¡Gracias!!
- David Lopera Gómez says:
Hola de nuevo,
Finalmente he entregado el pdf y las dos imágenes en la PEC como comentas en el foro.
¡Saludos!
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Hola Paula,
Ejercicio resuelto!
Un cordial saludo