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Paul Gaughin, Mata mua. Detalles.

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No hay fragmento del Mata Mua que no tenga significación. El sueño impregna hasta los más mínimos detalles, y transporta hacia ese…
No hay fragmento del Mata Mua que no tenga significación. El sueño impregna hasta los más mínimos detalles, y…

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Trescientas palabras sobre LUIS PARET

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Trescientas palabras sobre LUIS PARET

Genio del dibujo, ojo crítico, ilustrado, infortunado, pintor de miniaturas, buen retratista, madrileño, coetáneo de Goya. Sereno, positivo. Pintor de paisajes con…
Genio del dibujo, ojo crítico, ilustrado, infortunado, pintor de miniaturas, buen retratista, madrileño, coetáneo de Goya. Sereno, positivo. Pintor…

Genio del dibujo, ojo crítico, ilustrado, infortunado, pintor de miniaturas, buen retratista, madrileño, coetáneo de Goya. Sereno, positivo. Pintor de paisajes con una precisión extraordinaria, pintor de aves, de animales vivos. Una cebra. Refinado, delicado. Una cereza. Amante de la inteligencia. Salpicado por un problema sucesorio, sensible al destino limitado de la mujer. Técnicamente perfecto. Creador en todos los géneros. Dificultades, dificultades. Dibujante de habilidad infinita. Capaz de pintar en espacios pequeñísimo. Pacientísimo en el lienzo, pacientísimo en la vida. Hábil para retratar escenografías. Muy inteligente. Amante del color pastel. Rey de las texturas, de los pliegues, de las telas. En Puerto Rico, en Bilbao. Espíritu ilustrado. Lleno de templanza, paciencia (a juzgar por sus retratos). Multifacético en sus artes. Dificultades, dificultades. Sociable, sensible. Propietario de una amplia biblioteca, vicesecretario de la academia de San Fernando, impulsor de la reforma de la enseñanza del 92. Dificultades, dificultades. Positivo. Pintor del infante Don Luis. Rococó. Don Luis de Borbón y Farnesio (ay, Farnesio). Víctima inocente de las intrigas de la corte y, probablemente, de su barbarie. Sensible a la desigualdad de género, sensible a la desigualdad social, muy trabajador en sus dibujos, muy esforzado. Cuidadoso, cauto, equilibrado. Padre de dos hijas. Pintor de la corte, pintor de la burguesía, pintor de la corte. Extremadamente inquietante El triunfo del Amor sobre la Guerra II, 1784. Pintor de paisajes, pintor de espacios, pintor de escenografías. Dificultades, dificultades. Una vida llena de dificultades e infortunios, un pincel preciso, positivo y que no se rinde. Trabajador. Un dios de su oficio.

 


Triste.

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Psicopatología, percepción visual y evaluación en las artes plásticas.

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Es especialmente relevante para nosotras, artistas, conocer estos filtros de nuestras experiencias perceptivas. Y sería fundamental que los profesores, que evalúan nuestros…
Es especialmente relevante para nosotras, artistas, conocer estos filtros de nuestras experiencias perceptivas. Y sería fundamental que los profesores,…

Es especialmente relevante para nosotras, artistas, conocer estos filtros de nuestras experiencias perceptivas. Y sería fundamental que los profesores, que evalúan nuestros logros, lo hicieran sobre una valoración previa (al menos aproximada) del funcionamiento perceptivo de cada cual que va asociado a ciertas condiciones psicopatológicas. Cuando hice el círculo de color, me sentí muy mal. Estos son mis recuerdos y sugerencias.

La profesora fue muy amable. Pero en vano me quejé y dije que, pese a mi esfuerzo e interés, no podía mejorar mi círculo de color: la situación no está madura para la evaluación en el ámbito de las artes. Había una serie de condiciones personales implicadas en mi desempeño (por un lado, psicopatologías -reconocidas, y que deberían haber sido tomadas en cuenta-; por otro, amarillo derivado del amarilleado de mi cristalino por la edad, etc. que sencillamente no se consideran.

¡Otro aspecto a mejorar en la enseñanza de las artes visuales y, en concreto, en la valoración de los ejercicios de color!

Y, por cierto, la teoría en la asignatura de dibujo anda un poco coja… los clásicos deben ser revisados a la luz de los avances científicos… y también el mismísimo D. K. Ching debería revisar su introducción a Dibujo y proyecto. La neuropsicología ha avanzado al galope y ha alcanzado sus textos… muchas de sus explicaciones suenan a elucubraciones precientíficas, que deslucen su brillante libro.

En el resumen que añado a continuación, del texto de psicología de la UNED que enlazo, están brevemente descritas las distorsiones perceptivas y las alucinaciones que pueden afectar nuestro trabajo como artistas visuales.

https://psicologia.isipedia.com/segundo/psicopatologia/psicopatologia-parte-1/06-psicopatologia-de-la-percepcion-y-de-la-imaginacion

Existen dos opciones teóricas antagónicas sobre el modo de abordar el estudio de las imágenes mentales. Una habla de dos códigos (para imágenes mentales y para procesamiento proposicional). Otra, de uno solo.

Los trastornos de la percepción y de la imaginación se clasifican en distorsiones y engaños perceptivos.

Las distorsiones, cuando el estímulo, existente, es percibido de forma distina a la habitual, teniendo en cuenta las experiencias previas, características contextuales, y el modo en que otras personas perciben ese estímulo, cono sucede en las distorsiones relativas al tamaño, forma, intensidad, distancia… La anomalía es perceptiva (interacción defectuosa de estímulo, contexto y receptor), no sensorial. Suelen afectar a una o más modalidades sensoriales y pueden involucrar todos los estímulos de mundo sensorial que se halle afectado.

Pueden ser: de la intensidad de los estímulos (ver los colores más intensos, o menos intensos), de su cualidad (cambios en la percepción del color y visiones coloreadas), del tamaño (ver los objetos muy lejanos o muy cercanos), de la forma (disociación o aglutinación de los objetos), de la integración. Puede haber iusiones, como la pareidolia (dotar de significado a formas sin sentido).

Los engaños perceptivos se diferencian de las distorsiones (sinónimos: percepciones falsas, aberraciones perceptivas, errores perceptivos) porque los estímulos son alucinaciones.

Las dos modalidades sensoriales en las que con más frecuencia se experimentan fenómenos alucinatorios son la auditiva y la visual, pero también pueden darse en las restantes modalidades. No se fundamentan en estímulos realmente existentes fuera del individuo y conviven con el resto de las percepciones normales. Lo común a los engaños y distorsiones es que la persona tiene una experiencia perceptiva, tanto si ésta se fundamenta como si no en una “percepción auténtica”.

Sobre las alucinaciones visuales, dice el texto de la UNED:

Son muy variadas. A veces son imágenes elementales o fotopsias o fotomas, que son destellos, llamas… inmóviles o en movimiento, con carácter geométrico, colores vivos o incoloras. Otras veces son complejas (figuras humanas, escenas de animales…) y pueden tener un tamaño natural, reducido (liliputienses), o gigantesco (gulliverianas). No hay que confundirlas con las macropsias y micropsias, ya que en éstas el campo perceptivo real se ve a escala reducida o aumentada, y no se trata de alucinar objetos, personas o animales dentro del marco perceptivo normal.Las alucinaciones visuales poseen cierta perspectiva, por lo que se experimentan con mayor realismo, aunque pueden aparecer superpuestas a objetos, paredes… Cuando están intensamente coloreadas, se acompañan de un tono afectivo de exaltación o euforia (en delirios místicos en estado de éxtasis) o pueden tener un tono afectivo pasional (en delirios eróticos). Estas alucinaciones aparecen en forma de visiones escénicas, similares a las imágenes de los sueños, como sucede en estados confusionales y en los delirios tóxicos.

Ej: visiones religiosas del infierno.Una variedad de experiencia alucinatoria visual poco usual es la autoscopia, que consiste en verse a sí mismo como un doble reflejado en un cristal, a menudo con una consistencia gelatinosa y transparente. También se le conoce como “imagen del espejo fantasma”. En la autoscopia negativa ocurre lo contrario: el paciente no se ve a sí mismo cuando se refleja su imagen en un espejo. Puede darse en estados orgánicos como la epilepsia del lóbulo temporal y en esquizofrenia, que suelen ser pseudoalucinaciones.En nuestra cultura, las alucinaciones visuales son más características de los estados orgánicos agudos con pérdida de conciencia como el delirium tremens, en el que la alucinación más frecuente es la de ver toda clase de animales repugnantes, vivenciándolo con terror, y por supuestos en los estados producidos por los alucinógenos. En cambio son poco comunes en la esquizofrenia.

Para ver en qué psicopatologías se presentan y valorar los distintos grados y tipos, consultar el enlace. En general, solo señalo que nuestra percepción está modulada por nuestras psicopatologías, y que los docentes deberían conocer en qué sentido para ajustar con mayor corrección la evaluación, en caso de psicopatologías o situaciones especiales. Los círculos de color son especialmente delatores. 

Además, en el artículo que recojo a continuación, escrito por un psiquiatra como trabajo de investigación, se resumen algunas alteraciones del procesamiento visual ligadas a algunas psicopatologías (dice esquizofrenia, podría ampliar a autismo, los límites no están claros) y se hace una interpretación (cuestionable) desde el psicoanálisis. Es especialmente interesante por el marco de pensamiento que recoge (habla del «pensamiento visual», que debería estudiarse en los curriculos de las artes plásticas) y la recopilación de fenómenos que afectan a la pintura y el dibujo, como: dificultad para organizar la relación entre los objetos, dificultad para organizarlos en el campo, dificultad para centrar la atención en uno, dificultad para discriminar el contexto, atracción ejercida por objetos triviales, integración de la información contextual.  Todas estas «dificultades» son rasgos que hacen peculiares nuestros dibujos y pinturas, artistas!

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Historias sobre la evaluación en los estudios de arte. Capítulo 2.

Historias sobre la evaluación en los estudios de arte. Capítulo 2.
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Historias sobre la evaluación en los estudios de arte. Capítulo 2.

La evaluación en la enseñanza de las artes (en el aspecto en que no son técnica) tendría que ser amplia, detallada, cualitativa……
La evaluación en la enseñanza de las artes (en el aspecto en que no son técnica) tendría que ser…

 

LA BUENA EVALUACIÓN EN LA MAYORÍA DE LAS DISCIPLINAS

LA BUENA EVALUACIÓN EN ARTES

Suele ser cuantitativa

Suele ser cualitativa

Puede ser muy breve

Tendría que ser amplia y detallada

Referente de aprendizaje buscado: concreto y definido.

Referente de aprendizaje buscado: no es concreto ni está definido.

Solo puede ser hecha o por un experto o por alguien en un lugar con especial visibilidad o distancia.

La puede hacer cualquiera (también los restantes alumnos, también uno mismo). 

Suele ser de resultados.

Suele ser de procesos.

Con mucha frecuencia, es evaluación de un solo aspecto.

Con mucha frecuencia, la evaluación es una síntesis de muchos aspectos diferentes y desglosables, que se desglosan para que se pueda mejorar. 

Decisiones: en serie. Suelen ser todas iguales.

Decisiones: personalizadas.

Decisiones: referidas a algún tipo de comportamiento.

Decisiones: pueden referirse a comportamiento, actitud, afecto, etc. y pueden llegar a ser meras orientaciones.

Es necesaria para el buen funcionamiento del sistema.

Es necesaria para el buen funcionamiento de las personas.

Instrumentos de evaluación: son elaborados para dicha evaluación.

Instrumentos de evaluación: no se requieren instrumentos específicos de evaluación.

Se utiliza en las disciplinas en las que el aprendizaje buscado es muy concreto y definido.

Se utiliza en las disciplinas en las que el aprendizaje buscado no es concreto ni definido.

Si la evaluación es de una técnica, la columna de la izquierda llevada a raja tabla. Pero entonces hay que delimitar perfectamente los objetivos.

Habría que rehacer el currículo de las artes en España.

Tabla comparativa de lo que es y debe ser la evaluación en las escuelas de artes. Mientras que la buena evaluación en la mayoría de las disciplinas suele ser cuantitativa, puede ser muy breve, el referente de aprendizaje buscado es concreto y definido, solo puede ser hecha o por un experto o por alguien en un lugar con especial visibilidad, suele ser de resultados, con mucha frecuencia es evaluación de un solo aspecto… en la enseñanza de las artes (en el aspecto en que no son técnica) tendría que ser amplia, detallada, cualitativa… primar la coevaluación y la autoevaluación, ofrecer como resultado decisiones personalizadas… hace falta reformular el curriculo de las enseñanzas artísticas para que, de verdad, podamos crecer como artistas. En los aspectos técnicos, habría que hacer un detalladísimo trabajo de determinación de procedimientos y competencias, y una enseñanza y aprendizaje artesanal…

Plantear BIEN la enseñanza y el aprendizaje del arte ayudaría a entender la naturaleza del arte.

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Historias sobre la evaluación en los estudios de arte. Capítulo 1.

Historias sobre la evaluación en los estudios de arte. Capítulo 1.
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Historias sobre la evaluación en los estudios de arte. Capítulo 1.

Portada: el dibujo de Frato es plenamente aplicable a la evaluación en la enseñanza de las artes.
Portada: el dibujo de Frato es plenamente aplicable a la evaluación en la enseñanza de las artes.

No tengo claro que la evaluación del rendimiento artístico deba hacerse en términos cuantitativos. No entiendo bien los criterios de evaluación (que, por lo general, me parecen vacíos y demasiado formales). No comprendo por qué no se utiliza la coevaluación de forma sistemática y como principal forma de evaluación. No sé cómo no se ve el daño que hacen todos estos procedimientos, y, en particular, el daño que se hace a los alumnos a los que se evalúa muy positivamente durante su trayectoria académica. No sé cómo hay profesor de arte que se atreva a adjudicar una «nota». No sé por qué las valoraciones tienen que ser secretas, dentro de todo este marco general, con lo que ilustraría a los alumnos el conocerlas. No sé cómo se atreven, los profesores de artes, a valorar las cristalizaciones parciales de los largos procesos que son los aprendizajes de artes. No siento que haya ningún artista que sea capaz de valorarme a mí ni a ninguno de mis compañeros.

No creo que ningún profesor de arte esté capacitado para situarme en un continuo por delante o por detrás del resto de mis compañeros.

Detesto esas valoraciones que, se nota, son rápidas, superficiales, no penetran en la naturaleza del emisor del mensaje, que se limitan a colocar dos o tres referentes que, de algún modo, se relacionan con lo que se está haciendo. Detesto el «hablar por hablar» cuando se habla de algo tan sensible como es una producción artística. Todo esto despierta muchas dudas sobre qué hay que valorar en arte. Ante un trabajo de un estudiante de artes, yo haría dos cosas.

A. Valoración

  1. Pericia técnica. 
  2. Conocimiento de los demás artistas, obras, etc. explícito e implícito. 
  3. Novedades que introduce. 

B. Interpretación. En este segundo apartado, me sumergiría en la obra, el artista de la que nace y la realidad para encontrar su sentido. Jamás le daría una matrícula de honor a alguien que está trabajando para Marie Claire, por ejemplo…

Ni idea de cómo se valorarán las películas en un festival, los textos en un concurso literario, ¿habrá algo escrito al respecto? Ayudaría mucho a enseñar el arte… mientras tanto, nos toca recibir evaluaciones que caen como una mierda de paloma en nuestros frágiles hombros de estudiantes…

Nada más castrante que una escuela de arte.

 

 

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PRACTICA CON OLEO.

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PRACTICA CON OLEO.

“Los artistas son niños que se niegan a dejar sus lápices de colores.” Al Hirschfeld Planteamiento Inicial Se nos plantea la creación…
“Los artistas son niños que se niegan a dejar sus lápices de colores.” Al Hirschfeld Planteamiento Inicial Se nos…

“Los artistas son niños que se niegan a dejar sus lápices de colores.”

Al Hirschfeld

Planteamiento Inicial

Se nos plantea la creación de un proyecto pictórico, desde la observación de un referente real, teniendo en cuenta su iconicidad y aplicando todos los conocimientos adquiridos durante las PEC anteriores.

 

Materiales elegidos

-Material de estudio. “Introducción a la teoría de la imagen”. Capítulos 1y2 “1.

-Diario del artista: Cuaderno DINA4 (160g/m2) para técnicas mixtas Van Gogh.

-Cámara de fotos

-Lápices para bocetar

-Paleta plástica para hacer las mezclas.

– Óleos TITAN: azul cian, magenta, amarillo cadmio medio, blanco de zinc y negro humo.

-Pinceles N.º 2 de punta redonda, 4, 8, 12, 16, 20 y 24 de punta cuadrada Van Gogh.

– Liquin Windsor & Newton.

– Aceite de Trementina TITAN (Aguarrás)

– White Spirit para limpieza del material

-Trapos y botes para el aguarrás

-Espátula para mezclas

 

Parte 1: Selección, análisis y estudio del referente.

Durante esta práctica, vamos a desarrollar la idea de que toda imagen tiene un referente en la realidad. Esta idea se conserva siempre con independencia de cuál sea el grado de iconicidad, el medio o la naturaleza en la que la imagen se produce1.

Esta idea la desarrollaremos buscando un referente real, en nuestro entorno, sobre el que trabajar y poner en práctica lo aprendido, hasta lograr una imagen que guarde armonía en color, composición e iconicidad. Consiguiendo con ello, expresar lo que queremos de ella.

 Selección del referente tridimensional (real).

Ya hablamos en la PEC4 anterior sobre la Naturaleza Muerta como género pictórico y de cómo los movimientos impresionistas los modernizaron, experimentando con formas y colores.2

La representación de estos objetos cotidianos, no solo nos aporta su valor estético, si no que se ha convertido en un valioso instrumento para conocer nuestro pasado. Permitiéndonos observar objetos y adentrarnos en las tradiciones de la época.3

Aunque como sabemos, los objetos más frecuentemente representados son alimentos y flores, el género abarca todo tipo de objetos, entre ellos los juguetes infantiles.

Al representar estos objetos, el artista no solo busca la estética en general, si no que expresa en el cuadro, la personalidad del niño y el amor que siente por él.

Los juguetes del pequeño Walter 1912. Auguste Macke (1887–1914) (Macke)

Autor: Auguste Macke (1887–1914)

Título: Los juguetes del pequeño Walter

Año: 1912

Medio: Óleo sobre lienzo

Dimensiones:  H 500, W 600 mm

Localización actual: Frankfurt Städel Museum, Frankfurt (Alemania)

Vía: dominio público. Wikimedia commons

Auguste Macke, fue un artista alemán que integró en sus cuadros todas las vanguardias europeas de su época4.

En esta obra, quiso representar los juguetes de su hijo Walter. Lo hace desde un punto de vista elevado, casi como si estuviera observando a su propio hijo, al que representa con gran ternura5.

Destacan en la obra los colores vivos y luminosos característicos del artista, los tonos son en su mayoría cálidos, mostrando la alegría y vitalidad del niño.

La obra sigue una composición intuitiva y un esquema que, aunque es asimétrico, nos deja entrever la simetría.

Observamos dos líneas de tensión diagonales, primero ascendente y luego descendente formando el pico de la mesa. Sobre el que se encuentra ligeramente desplazada la maceta de flores como elemento central y sobre el que se compensan las masas con los juguetes a ambos lados y siguiendo un esquema jerárquico de izquierda a derecha y de arriba abajo.

El dinamismo es aportado por las pelotas que casi parece que estuvieran rodando.

Juguetes. 1920. María Blanchard (1881–1932) (Blanchard)

Autor: María Blanchard (1881–1932)

Título: Juguetes

Año: 1920

Medio: Óleo sobre lienzo

Dimensiones:  H 920, W 650 mm

Localización actual: Galería Juana Mordó

Vía: dominio público. Wikimedia commons

María Blanchard, es una de las artistas españolas más maltratadas por la historia de nuestro país.

Cursó parte de sus estudios en París, donde se enamoró del cubismo y aprendió a aplicar las bases del movimiento a sus trabajos, consiguiendo unas armónicas y bellas obras.6

En esta pintura, muestra su interés por la infancia7 y la maternidad, regalos que sentía que el destino le había negado. Quizás por eso los dibujos tienen una apariencia inexpresiva y los colores de la obra son oscuros y fríos.

La composición es intuitiva y con una simetría dinámica, formándose un triángulo entre los tres objetos principales: caballo, tambor y trompeta. Nuestra vista se mueve de uno a otro y encontramos estabilidad por las líneas horizontales que cumplen la ley del horizonte.

La obra obtiene dinamismo por el paño que parece caerse debajo de los juguetes y la cortina que apreciamos al fondo.

Siguiendo estas ideas, he realizados diversas composiciones con objetos que considero “especiales” para mi hijo, buscando así su propia representación en la obra y probando distintas opciones con ellos para lograr una imagen que me transmitiera armonía y que pudiera utilizar como referente real para mis bocetos y para mi obra final.

Una vez decidida la colocación de los objetos, pasé a la captura de la imagen definitiva.

Ya esta vez, con un fondo más homogéneo y adecuado y en un lugar en el que pudiera permanecer durante su representación artística.

Cómo he adelantado, en la imagen de referencia busco representar a mi hijo mediante sus objetos personales. Estos son sus peluches favoritos, los que coloca en su cama para dormir, tienen su propio nombre y con los que crea grandes aventuras. Como referencia al tamaño real, coloco su sombrero pirata, sin el que no salía a la calle.

La obra sigue una composición intuitiva y tiene un esquema simétrico, colocando los objetos a resaltar en el centro de la obra formando un rectángulo.

Los objetos siguen una escala jerárquica, fijándonos primero en el dinosaurio, nuestra vista irá luego al cocodrilo y por último al cerdito, de izquierda a derecha. Siguiendo también el orden de volumen de más sobresaliente a menos. Los pesos están compensados a ambos lados de la composición.

El fondo es homogéneo y claro a fin de resaltar lo importante de la obra, que en general tiene una temperatura fría, con predominancia de tonos azules, que le confieren a la obra un aspecto infantil y relajado.

He colocado una línea de horizonte dividiendo suelo y pared a fin de darle estabilidad a la obra.

Por último, para que se obtuviera algo de dinamismo, he buscado un fondo que no fuera liso, sino que aportara un poco de sensación de movimiento con la tela.

Elaboración de bocetos

Se nos pedía realizar varios bocetos sobre el referente real, en los que aplicar al menos tres grados de iconicidad distintos.

La iconicidad hace referencia a la construcción de la imagen dependiendo de su intención comunicativa. Es así, como en un intento de conceptualizar este hecho, vamos a clasificar las imágenes dependiendo del grado de correspondencia que guarden con la realidad, en lo que llamamos escalas de iconicidad1.

Estas escalas, son visiblemente reduccionistas, por lo que estos valores, serán siempre relativos.

Para empezar, tengo frente a mí, el grado de iconicidad más alto, Grado 11, que es la imagen al natural, la que estoy viendo con mis propios ojos y no puedo mostrar a nadie más. Esta imagen es la de máxima iconicidad, en ella todas las propiedades del objeto están presentes y existe la identidad. Su función pragmática es el reconocimiento.

En esta imagen, que es una fotografía a color, muestro el grado de iconicidad 8. En la fotografía, el grado de definición de la imagen esta equiparado al poder resolutivo del ojo medio. Cumple una función descriptiva, ya que es lo más parecido a lo que ven nuestros ojos en un referente real.

Fotografía a color del Modelo Referente. Grado de iconicidad 8.

El boceto 1, ya representa un grado de iconicidad 6, al tratarse de una pintura realista. Este tipo de pintura restablece razonablemente las relaciones bidimensionales, pero cumpliendo una función artística, debido a que está sujeta a distintas interpretaciones de la realidad.

Boceto 1. Dibujo Realista. Grado de iconicidad 6 -click para vista completa-

En el boceto 2, hemos bajado al grado de iconicidad 5, mostrando una representación figurativa no realista. En este, aun se produce identificación, pero las relaciones espaciales están alteradas al configurar la imagen mediante líneas rectas. Al igual que el grado anterior cumple una función artística, en ese terreno fértil entre la abstracción y el realismo.

Boceto 2. Dibujo Cubista. Grado de iconicidad 5 -click para vista completa-

Por último, en el boceto 3, bajamos al grado 4 de iconicidad, en el que ya hay una considerable abstracción y todas las características sensibles de la imagen están abstraídas excepto la forma. Su intención es la información, con estos dibujos de aspecto infantil, sabemos lo que se muestra en la imagen y que son juguetes, pero no guarda orden con la realidad. Podrá informarnos por ejemplo de que estamos en una juguetería.

Boceto 3. Ilustración infantil. Grado de iconicidad 4. -click para vista completa-

 

Parte 2: Representación Pictórica

 

Idea Inicial

Elegiremos uno de los bocetos realizados en el apartado anterior, y realizaremos una obra libre en pintura al óleo. Utilizaremos para ello el lienzo previamente montado e imprimado con imprimación media creta en la PEC 3.

 

Creación de la Imagen de Referencia:

Después de decidir, cuál de los bocetos previos realizaría, me puse a la creación de una paleta cromática de que me sirviera de referencia, al igual que hemos hecho en otras PEC. Para ello, he utilizado el programa GIMP8

La Paleta que he elegido, consta de 10 colores principales. De los tonos primarios, el más predominante serían los tonos azules, el resto está compuesto por marrones y el blanco del fondo, que le da protagonismo a la imagen principal.

La colocación del caballete frente a la imagen de referencia es muy importante en este caso al tratarse de una obra que debemos pintar con un referente real, a pesar de que nos basemos en imágenes para facilitar en comienzo del proceso.

En mi caso el lugar que me pareció más apropiado fue el patio de mi casa en el que tengo una zona más abierta. Coloque los objetos sobre el sofá de fondo claro y posicioné el caballete delante a una altura a la que el referente estuviera frente a mi pero un poco bajo para poder observarlo desde arriba.

Proceso del trabajo:

Se nos pide realizar este proyecto, sobre el soporte para oleo entelado e imprimado con imprimación media creta en la PEC3. Sus medidas son de 73x61cm. Como material pictórico, utilizaremos pintura al óleo9,10 y realizaremos una síntesis cromática a los 8 colores elegidos.

La pintura al óleo es la más utilizada desde el SXIV, esto es debido a que es la de mayores posibilidades técnicas, ya que sus tiempos de secado son largos y posibilita mucho la corrección de errores.

Es una pintura hecha a base de un pigmento con un aceite vegetal, que suele ser de lino, adormidera o nuez.

Se puede utilizar para hacer veladuras o empastado, pero su principal inconveniente es que su disolución es en medio toxico como es el aceite de trementina.11

Como medio vamos a utilizar Liquin, ya que presenta varias ventajas frente a otros medios, como son el hecho de que no amarillea, seca rápido y es flexible12.

 

Fase 1

Durante primera fase, crearemos una capa de oleo de temperatura cromática fría, siguiendo el color de la imagen de referencia, ya que el pigmento blanco es demasiado luminoso. Esta capa debe de ser muy diluida siguiendo la regla óleo sobre magro, esto quiere decir que serán las ultimas capas la que más pintura necesitan. Para hacer esta diferenciación, empezaremos pintando mientras mezclamos con aceite de trementina.

Posteriormente, una vez seca la primera capa, tenemos varias opciones para encajar nuestro dibujo en el lienzo, en mi caso he optado por imprimir el boceto previo y pasarlo con papel de calco amarillo.

Al realizar el boceto a mano alzada, se me subió el encuadre que quería conseguir, así que al pasarlo al lienzo lo solventé bajando la imagen a calcar.

Para comenzar a pintar, seguiremos como hemos comentado, con la regla básica de pintar óleo sobre magro, lo que quiere decir que esta capa seguirá siendo bastante diluida.

Los colores, los iremos ajustando en cada capa, así que ahora principalmente colocaremos cada uno en su sitio, intentando utilizar todos los colores de nuestra paleta, para así asegurarnos la armonía cromática. Se trata de crear el clima del cuadro.

Realizaremos un trabajo por planos respetando la jerarquía de la mancha, partiendo de manchas mas generales para en posteriores capas ir haciéndolas más pequeñas.

Empezaremos las pinturas por las luces (tonos altos), ya que estos siempre se podrán ir oscureciendo.

El dibujo no debe ser perfecto, poco a poco iremos afinando en los detalles.

Siempre deberemos tener en cuenta los atributos del color saturación, tono y luminosidad.

Una vez acabado, dejamos secar

Los materiales los limpiaremos con disolventes, para asegurarnos de que no haya contaminación cruzada.

 

Fase 2

Empezamos con una capa más cubriente.

Utilizaremos el tamaño del pincel dependiendo del tamaño de la superficie a cubrir.

La pintura aún debe estar bastante diluida. Seguimos haciendo manchas planas, cubrientes y homogéneas.

Empezamos a marcar las sombras mas duras, sin miedo a equivocarnos, ya que continuamente podemos sumar o restar. Una opción es llevarnos algo de pintura con un trapo si nos hemos equivocado.

Podemos utilizar para algunas sombras la técnica de húmedo sobre húmedo o en mordiente. Podemos extender con un pincel seco para difuminar los colores, creando la sombra. Con un pincel fino hacemos líneas de sombras y detalles.

Volvemos a dejar secar la pintura.

Fase 3

Sacamos los colores más cercanos al referente.

Vamos a ir definiendo el dibujo y perfilando detalles. El dibujo se va construyendo a medida que el proceso avanza. La pintura es algo muy procesual y no debemos agobiarnos pensando en el resultado final.

Dirigiremos la pincelada buscando las formas y siguiendo la jerarquía de la mancha. Las capas primeras irán subyaciendo como una estructura de claro oscuro. Esto lo conseguimos añadiendo algo de liquin al pigmento, para poder entrever las oscuridades de la capa subyacente.

En esta fase deberemos tener en cuenta todas las técnicas posibles a realizar. Estas son:

  • Húmedo sobre húmedo o en mordiente: seria como mezclar los colores sobe el dibujo en vez de en la paleta.
  • Húmedo sobre seco o veladuras: mezclando con médium, veremos que las capas son mas finas y dejan entrever la capa inferior
  • Pincel seco: aplicaremos la mezcla creada sobre la pintura seca, y con un pincel seco arrastraremos la pintura.
  • Arrastrados o fundidos: ponemos pintura en una zona, limpiamos el pincel con un trapo y arrastramos esa pintura a otras zonas con el pincel no cargado.
  • Podemos utilizar el trapo para rectificar o quietar el exceso de pintura.

Por último, iremos perfilando y aplicando pequeñas luces y sombras con un pincel fino para optimizar los detalles y siempre teniendo a la vista el referente.

Para pintar el fondo he utilizado por un blanco de zinc al que le he añadido una pequeña cantidad de un marrón oscuro formado por magenta, cian y amarillo. Ya en esta última capa, mezclé un poco de médium para ver las oscuridades, pero puse una capa bastante mas oleosa. A las partes que quería oscurecer para hacer la sombras y las líneas de los cojines, cuando estaba en mordiente le añadí unos toques del marrón sin rebajar y lo extendí con un pincel seco de cerda dura. Las partes superiores e inferiores de los cojines, he intentado aclararlas mezclando blanco directamente al sobre lo pintado con la técnica de húmedo sobre húmedo y siguiendo la dirección del trazo.

En segundo lugar, y siguiendo el orden fondo-imagen principal, pase a detallar el sombrero. Para ello utilicé negro como color principal, al que añadí el mismo tono del fondo a modo de iluminación para darle volumen al objeto. Para ello he usada la técnica de húmedo sobre húmedo.

Para el dinosaurio, conseguí un color azul oscuro al mezclar cian con negro y añadirle un poco de amarillo y magenta para iluminarlo. Para la textura del pelo añadí sobras con marrón y negro e iluminé con el tono del fondo. La barriga del muñeco es un tono marrón más rico en amarillo y magenta que en cian, hice uso del amarillo para iluminar. Este mismo tono lo he usado para el borde dorado del sombrero y para los parches en el pelo.

He intentado conseguir el efecto pelo punteando con un pincel seco de pelo duro, para difuminar los bordes y crear pegotitos de pintura.

Durante todo el proceso y como puede apreciarse en las imágenes, he hecho un uso simultaneo de varios pinceles, principalmente planos de distintos grosores, uno fino de punta redonda y dos de pelo duro.

El cocodrilo lleva un color cian, rebajado con blanco. He jugado con añadir el azul del dinosaurio en las partes a sombrear cuando la pintura estaba aun mordiente, y el blanco del fondo en las zonas a iluminar, para así aprovechar las mezclas, todo con arrastres. Siempre he tenido en cuanta la dirección de la pincelada para aportar el volumen de la figura.

Lo más entretenido ha sido conseguir las crestas, para ello las deje sin cubrir en la tercera capa y con un pincel plano añadí golpes de blanco y azul en cada costado.

El color de las patas es el del fondo, pero con un toque más de amarillo. He utilizado para sombrear el marrón oscuro con arrastres y posteriormente pincel seco.

Los colores del piratita tuve que ajustarlos en esta última fase, ya que debían quedar más claros. Hice una mezcla de cian con blanco y puse magenta para que tendiera un poco a lila y fuera más opaco. El resto de las rayas son blancas. Las sombras las apliqué en mordiente y mediante arrastres pequeños con marrón.

Las extremidades en beige es el mismo tono que el cocodrilo, pero con algo más de amarillo. Las sombras e iluminación las hice del mismo modo.

El gris ha sido una mezcla de negro con el beige del fondo y le añadí también el azul de las rayas en una pequeña cantidad, de manera que fuera un gris cromático. Las sombras esta oscurecidas con negro y en mordiente.

La nariz es el beige del fondo con un poco de magenta y cian.

Como punto final, una vez casi seca la obra, ajuste las oscuridades con la técnica del pincel seco.

Paleta Obra Libre Oleo
Obra Libre. Capa de temperatura cromática.
Obra libre. Boceto sobre lienzo.
Obra Libre. Fase 1. Imagen 1
Obra Libre. Fase 1. Imagen 2
Obra Libre. Fase 1. Imagen 3
Obra Libre. Fase 2. Imagen 4
Obra Libre. Fase 2. Imagen 5
Obra Libre. Fase 2. Imagen 6
Obra Libre. Fase 3. Imagen 7
Obra Libre. Fase 3. Imagen 8
Obra Libre. Fase 3. Imagen 9
Obra Libre. Fase 3. Imagen 10
Foto Obra Libre con referente real.

Valoración del Proceso y Conclusiones

Este proyecto final, tiene como principal objetivo la puesta en común de todos los conocimientos adquiridos durante el semestre, pero sin dejar de lado el aporte de otros nuevos.

Hemos aprendido sobre los niveles de iconicidad y su utilidad en el arte, en el diseño, y en general en nuestra vida diaria. Ayudándonos a comprender la utilidad de uno u otro dependiendo del mensaje que queremos compartir.

Al igual que en la PEC anterior, se nos proponía utilizar el lienzo que nosotros mismos hemos realizado para practicar una nueva técnica: el óleo. Me parece muy especial el tener que utilizar estos lienzos, ya que son únicos e irremplazables y eso te hace plantearte muy detenidamente y con mucho cariño lo que vas a plasmar en ellos, y por supuesto en esforzarte mas aun si cabe, para que la obra final tenga un buen resultado.

En este caso, se nos proponía realizar una pintura sobre referente real. De manera que hemos aprendido la importancia e influencia que tienen la luz y las condiciones ambientales y estructurales a la hora de realizar este tipo de obras. En mi caso, el espacio más abierto que tengo en mi casa es el patio, así que opte por establecer allí mi estudio. Tengo que decir que no es un sitio ideal, ya que ha hecho mucho calor y viento, y gracias a la fecha, no ha llovido, aunque en otras épocas hubiera sido posible. En cuanto a la luz, pienso algo parecido, me ha beneficiado la fecha, pero en otras hubiera habido demasiada oscuridad. Me queda pendiente de buscarme un sitio más apropiado en el futuro.

La pintura con oleo es una técnica de la que ya contaba con algo de experiencia previa, a pesar de que hacía años que no practicaba. Así que me enfrenté a ella con relativa tranquilidad. He de decir, que nunca me han enseñado como hacerlo, siempre he pintado por intuición, y me ha gustado mucho aprender como es el proceso correcto, con su principio fundamental del magro al graso y ponerle nombre a técnicas y trucos que siempre había realizado espontáneamente, como el húmedo sobre húmedo o el húmedo sobre seco.

En general, he intentado aplicar todos los conocimientos de la asignatura en este trabajo final. He tenido muy en cuenta las mezclas cromáticas y los juegos de temperatura en los colores, al igual que el ser consciente de que todos los colores incluso un gris, es más que blanco y negro. De la misma manera he tenido en cuenta la colocación de los objetos para que la composición fuera armónica y he utilizado paletas de color que he realizado con medios digitales.

Estoy contenta con el resultado y con todos los conocimientos obtenidos durante el curso de esta asignatura. Pienso que ha sido un buen punto de partida, aunque me quedo con más ganas de pintura y color, ya que como dijo Leonardo DaVinci “Una obra de arte nunca está terminada, solo abandonada”. Espero poder continuar con proyectos así en el futuro.

 

Referencias:

1 Villafañe, J. “Introducción a la teoría de la imagen”. Capítulos 1y2. Madrid: Ediciones Pirámide, 2006. Disponible en: https://protected-content.ftp.uoc.edu/biblioteca/prestatgeries/articles/protegits/20208_20308/72717.pdf

2 Delgado D. “La importancia de los bodegones en el arte pictórico” disponible en: https://www.muyinteresante.es/cultura/articulo/la-importancia-de-los-bodegones-enel-arte-pictorico-731564404438

3 De la Guardia T. “De la Mesa al Lienzo” blog Full Spain disponible en: https://fullspain.com/de-la-mesa-al-lienzo/

4 Calvo M. “Auguste Macke” disponible en: https://historia-arte.com/artistas/auguste-macke

5 Calvo M. “Los juguetes del pequeño Walter” disponible en: https://historia-arte.com/obras/los-juguetes-del-pequeno-walter

6 Calvo M. “María Blanchard” https://historia-arte.com/artistas/maria-blanchard

7 Ontivero N. “María Blanchard, el pájaro en su jaula” Blog Mujeres artistas olvidadas. Disponible en: https://nale45.wordpress.com/2018/11/22/maria-blanchard/

8 Programa GIMP disponible en: http://www.gimp.org.es

9 Practica oleo I. UOC. Disponible en: https://materials.campus.uoc.edu/cdocent/PID_00277271/

10 Practica oleo II. UOC. Disponible en: https://materials.campus.uoc.edu/cdocent/PID_00277871/

11 Ferrando E. Art Tool Kit UOC. http://art-toolkit.recursos.uoc.edu/es/oli/

12 Córdoba C. “Cómo acelerar el secado del óleo. Liquin.” Disponible en: https://www.youtube.com/watch?v=gLuEwfqqbgs

Debate1en PRACTICA CON OLEO.

  1. Enhorabuena Laura,

    Lo has conseguido!!!

    La verdad que haciendo este recorrido por vuestros trabajos, se nota mucho cuando lo habéis disfrutado.

    Sigue pintando porque esta técnica es la tuya…

    Espero que ya puedas descansar y seguir pintando sin tanta presión.

    Ha sido un placer acompañarte durante este semestre.

     

    Un cordial saludo

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Capturas de referentes para mi bodegón de verdes

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Capturas de referentes para mi bodegón de verdes

Si consiguiera pintar, aproximarme, a cualquiera de estas imágenes, me daria por satisfecha para toda mi eternidad de pintora. Lo voy a…
Si consiguiera pintar, aproximarme, a cualquiera de estas imágenes, me daria por satisfecha para toda mi eternidad de pintora.…

Si consiguiera pintar, aproximarme, a cualquiera de estas imágenes, me daria por satisfecha para toda mi eternidad de pintora.

Lo voy a intentar.

– No es un bodegón.

– Y ¿que es un bodegón?

– No se aprecian luces y sombras.

– Las sacaré.

– No es Naturaleza muerta

– Esta tan muerta, potencialmente, que tiene que llegar Alejandra Riera y ponerse seria para resucitarla.

– No esta “en ningún sitio”

– Bueno, unos trozos de ventana prácticamente son “ningún sitio”. De todos modos, la gente acude al Reina Sofía, que anuncia con letras muy grandes el jardín de las mixturas, y nadie de los que pregunte sabían donde estaba. Así que como si estuviera en ninguna parte!!

Debate3en Capturas de referentes para mi bodegón de verdes

  1. Úrsula says:

    Hola, Marta… ¿te parecen adecuados los bocetos que he hecho para capturar estos colores y formas?

    ¿Te parece que, en este caso, hay alguna solución que no sea abstraer, resumir?

    ¿Piensas que se podría dibujar algo así con proyector? Pienso que no tendría sentido, porque de lo que se trata es de plasmar el filtro que mi mirada realiza sobre el dibujo… y conste que yo también estoy, como tú, a favor del proyector, pero muy medido, para cuando no quieras que tu mirada agregue o quite nada…

  2. Maria Guadalupe Lento Amoedo says:

    Me gustaba el boceto del banco, te lo dije…Pero necesitaba acercarme más, para ver mejor!

    Tus fotografías son extraordinarias(yo nunca me acerco tanto a la tierra), y nunca estuve en el Jardín de las mixturas.

    Las capturas del suelo, son los entretejidos de la naturaleza!…Nada más perfecto! Nada más acertado, Úrsula. y creo que nada más inspirador. Naturaleza al natural! A mí me recuerda una hermosa melena despeinada!

    Sinceramente Úrsula, yo no tengo mucha experiencia con la pintura, y como sabes, en este momento soy autodidacta… Pero se me ocurre, alejarme lo más posible del realismo, sin llegar a la abstracción total. Ese efecto de rayas/hilos por ejemplo, es buenísimo! creo que toda “maniobra”, aunque sea improvisada, pero que te permita dar textura, te dará posibilidad…

    Te mando un abrazo mi amiga!

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Estudio sobre el lenguaje del verde: STILL NATURE ALIVE, nuevos bocetos en el Reina Sofía.

Estudio sobre el lenguaje del verde: STILL NATURE ALIVE, nuevos bocetos en el Reina Sofía.
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Estudio sobre el lenguaje del verde: STILL NATURE ALIVE, nuevos bocetos en el Reina Sofía.

Son bocetos del Jardín de las mixturas, de Alejandra Riera, que son dos triángulos de diversidad que hay en el jardín del…
Son bocetos del Jardín de las mixturas, de Alejandra Riera, que son dos triángulos de diversidad que hay en…

Son bocetos del Jardín de las mixturas, de Alejandra Riera, que son dos triángulos de diversidad que hay en el jardín del patio del Reina Sofía. Plantas aromáticas, níspero, un vergel, hormigas, mariquitas voladoras, mariposas contiguas al verde estándar. El verde estándar de todos las áreas de césped anodino que llenan Europa, que invaden la civilización, en las que no hay lugar para mariquitas ni para mariposas.

He preguntado dónde estaba el Jardín de las mixturas, porque aún no he leído nada, absolutamente nada, de Alejandra Riera, solo lo que me ha mandado mi amiga del corazón Guadalupe Lento Amoedo…  unos apuntes maravillosos en los que intuyo que Alejandra tiene simpatía, empatía, prudencia, comunicación, demasiada prudencia… voy adivinando de qué van las «tentativas de hacer lugar». Yo me hago lugar a codazos, a mordiscos, a empujones, creo que es la única forma.

Calor. Las mariposas han elegido el jardín da Alejandra Riera. Me siento en la tierra. Hablo con Lupe y me transporto a otro tiempo. Me dice Lupe que Alejandra está en otro tiempo. Los seres humanos no han elegido este jardín. Los seres humanos no. Estos son mis bocetos.

Empecé sin haber leído los comentarios de mi amiga Lupe!!! Qué pena!!!!

Pero ahora tengo el doble estímulo de terminar este y hacer el que dices, Lupe. Este es un experimento, lo estoy pintando sin dibujo, se me formaron rayitas cuando le hice la primera aguada y me gustan, mañana seguiré porque tengo COVID y estoy muy cansada antes de ayer, ayer y hoy, Lupe…

Debate6en Estudio sobre el lenguaje del verde: STILL NATURE ALIVE, nuevos bocetos en el Reina Sofía.

  1. Amalia Arbeo Rodriguez says:

    Hola  Ursula, me gusta mucho todo el trabajo que has hecho tanto de tu pintura con óleos como tus bocetos del jardín.

    Saludos.

  2. Úrsula says:

    Muchas gracias, Amalia!! Te agradezco muchísimo tu comentario, porque a estas alturas ya está una sin fuelle, y una palabra de ánimo lo es todo.

  3. Maria Guadalupe Lento Amoedo says:

    hola Úrsula!

    me encantan! aquel con el banco es el que más me gusta. a mí me parece un jardín/bosque, y esa luz que atraviesa…me gusta mucho. Luego, me fijo en el banco (además de resultarme muy poético), creo Úrsula, que incluyendo el banco, has captado justo, algunas de las cosas que Alejandra Riera quiere comunicar: lo humano y lo no-humano, lo que habla y lo que no puede hablar.. todo es belleza, en un conjunto. Los bancos en los jardines son para compartir…para conocerse…escucharse…para mezclarse y amarse! Y fíjate que están todos vacíos…

    Lo mismo captas cuando dibujas el ventanal detrás de la vegetación, y como ésta se refleja, dialogando con el cristal…Yo sigo viendo aquello que la artista(las artistas!) quieren transmitir… Solo hay que pararse a observar y dejar que el tiempo transcurra más lento, mucho más lento. Como mi apellido! jajaja…

    Gracias, gracias! por compartir, y por nombrarme!

    lupe

     

  4. Úrsula says:

    Muchísimas gracias, Lupe. Pues ahora mismo estoy deseando hacer esa pintura. Volveré al jardín, haré más fotos, me fijaré más y me sumergiré en ella de lleno… se nota que has leído a Alejandra, Lupe, en tu lenguaje.

    Me hace mucha ilusión, siempre, meterme en el aula y encontrarme con tus comentarios, querida Lupe!!! Muchísimas gracias de verdad. Y creo que tan importante es crear como mirar lo que crean los demás, hablar como escuchar, mirar como ser mirada. Por eso, también, me ha gustado siempre comentar, y creo que en la UOC se valora como parte tan importante que comentemos, escuchemos, miremos!!!!  Un abrazo muy grande!!!

  5. Úrsula says:

    Marta, estoy trabajando todavía con esto, que a lo mejor es mi bodegón definitivo. Se llama, en vez de Naturaleza muerta, Naturaleza todavía viva y a lo mejor reivindico esta obra como bodegón. He tomado más fotos…
    ¿Qué te parece Marta?

  6. Hola Úrsula,

    Me encanta el nombre «Naturaleza todavía viva», los títulos que pones siempre a tus obras son muy sugerentes.

    Me parece muy bien que sigas investigando como artista inquieta y trabajadora que eres, aunque encuentro que el bodegón de los blancos está muy bien resuelto y listo como trabajo final.

     

     

    Te mando un cordial saludo

     

     

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Estudio sobre el lenguaje del blanco, plásticos.

Estudio sobre el lenguaje del blanco, plásticos.
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Estudio sobre el lenguaje del blanco, plásticos.

Marta, solamente me queda corregir todas las imprecisiones y fallos, contornos, sombras del envase redondo, cuello de la botella y uniformidad del…
Marta, solamente me queda corregir todas las imprecisiones y fallos, contornos, sombras del envase redondo, cuello de la botella…

Marta, solamente me queda corregir todas las imprecisiones y fallos, contornos, sombras del envase redondo, cuello de la botella y uniformidad del negro del fondo. Aprendizajes: 1 Me tengo que comprar la luz de día y el caballete en cuanto pueda, y una paleta buena. 2, A pintar tengo que aprender a base de pintar.
Esta mañana he hecho las sombras de negro del fondo y me ha quedado mucho mejor. Ahora debería corregir las imperfecciones. Pero como no soy estricta, me voy a perdonar ese paso. 

Le he puesto un subtítulo a mi bodegón: plásticos. Porque son plásticos. Plásticos que se han cargado casi todo. Plásticos que son vehículos para que lleguen las cosas a todos en este mundo occidental superpoblado y supercaprichoso y superabsurdo. Tengo: un envase de comida china, un bote de amoniaco, un envase de detergente. Qué trayecto han hecho esos objetos hasta que han llegado a mí… un trayecto que es la sentencia de muerte del suelo, del árbol, de la flor y de la abeja.

Los objetos han dejado de ser protagonistas y son protagonistas los envases, sus vehículos.

Por fin, he hecho lo que Marta me dice: proyectar sombras. Ay, me costaba, porque tenía en la cabeza esto, o sea, desequilibrar totalmente la composición con una sombra terrible.

 

Pero tanto me gusta este cuadro que me ha salido una sombra dorada. Preciosa, desde mi punto de vista. Marta siempre tiene razón. Ahora estoy tan, tan contenta que estallo de alegría con mi sombra dorada.

Tengo un follón impresionante en el dormitorio, y, si pudiera pedir un deseo, pediría un estudio de pintora. Tenía que ir a la luz blanca para mezclar, encender la luz para prepararme y apagarla para valorar las sombras.

Debate4en Estudio sobre el lenguaje del blanco, plásticos.

  1. Amalia Arbeo Rodriguez says:

    Yo también te agradezco tu comentario sobre mi bodegón. Es verdad que a estas alturas se agradece mucho las opiniones de compañeras/os y observar cómo hemos ido avanzando. Gracias, de nuevo, Úrsula.

    Saludos.

  2. María Echave Moratilla says:

    ¡Qué interesante tu planteamiento, Úrsula! Me encantan los diferentes colores de la luz que has conseguido sobre los blancos.

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Pintando en el Reina Sofía un espacio con historia abierto por A. Riera y Tamara Díaz Bringas

Pintando en el Reina Sofía un espacio con historia abierto por A. Riera y Tamara Díaz Bringas
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Pintando en el Reina Sofía un espacio con historia abierto por A. Riera y Tamara Díaz Bringas

En este cuadro, no he usado el negro, lo he hecho todo el tiempo. Me ha salido mal el encuadre, los fundidos,…
En este cuadro, no he usado el negro, lo he hecho todo el tiempo. Me ha salido mal el…

En este cuadro, no he usado el negro, lo he hecho todo el tiempo. Me ha salido mal el encuadre, los fundidos, poca sombra del libro, más anaranjado el rosa de la izquierda. Tengo que hacer, ahora, un cuadro del jardín de plantas que nos ayudan, se A. Riera.
Alejandra Riera abrió este espacio. Pido autorización para pintarlo, Alejandra Riera contesta y la concede. Comenta que el rincón no es suyo, sino de historia, en realidad. Dice que el rincón es muy pequeño pero con fuerte historia: tres pisos más abajo encerraban mujeres dementes en la época en que el edificio era hospital. Dice que esta trampilla la abrieron Tamara Diaz Bringas y ella, sacando dieciséis barrotes de epoca, estaba encubierta por un muro y durante siglos todo cerrado. Allí estuvieron encerradas muchas personas, sin ningún cuidado, sin luz, sin aire fresco. Dice Alejandra que, cuando supo la historia, no entendió por qué no había ninguna placa ni mención de ello.  Y por eso surgió el rincón, para que se pueda saber. Hablar. Para hacer memoria y que no suceda más. En esas jaulas, dice,  debe de haber muerto  mucha gente de inatención y de maltrato…  La aloe vera está ahí para ayudar. 

Han cambiado muchísimo las cosas en este terreno de la salud mental. Desde la pura segregación (la «nave de los locos» o los manicomios) hasta los posicionamientos de ayuda, la Antipsiquiatría, los avances de la neurología, los tratamientos químicos, el psicoanálisis y sus fantasmas, el conductismo y los suyos… hasta el día de hoy, en que hay cada vez más psiquiatras que quieren que el propio paciente participe en la toma de decisiones sobre la enfermedad, que considera que el proyecto de vida es tanto o más esencial cuando hay dificultades…

https://www.elconfidencial.com/alma-corazon-vida/2018-04-25/entrevista-jim-van-on-revolucion-salud-mental_1553835/

Pero todavía HAY SEGREGACIÓN. Y, de ahí, el agujero que visibiliza y da luz, y este cuadro que homenajea.

Se llama Un libro como una paloma. Porque un libro siempre salva y libera.

 

Entro por aquí…

¡Hola, amigxs de la UOC! ¿Qué tal? Yo, aquí, con mi glamour habitual jajajajaja

 

Pido autorización…

Debate2en Pintando en el Reina Sofía un espacio con historia abierto por A. Riera y Tamara Díaz Bringas